29 septiembre 2008

Kenji Mizoguchi - Chikamatsu monogatari (1954)




Japonés | Subs: Castellano/Français/English/Italiano/Português
101 min | x-264 mkv 954x720 | 2500 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,92 GB
Los amantes crucificados
Ambientado en el siglo XVIII, el film narra la historia del dueño de una imprenta que debe terminar el nuevo calendario, tarea para la cual obliga a trabajar a un empleado que está enfermo. Cuando el imprentero descubre a éste en una habitación con su mujer, el empleado es acusado falsamente de adulterio. Obligado a huir con la mujer de su jefe, en el escape ambos descubren su amor, hasta que son apresados y condenados a la crucifixión. Mizoguchi vuelve a adaptar una obra teatral para contar un tema recurrente en su prolífica carrera:un falso engaño amoroso que, finalmente, termina en amor y en una situación trágica.



 The Tale of the Crucified Lovers
Director Kenji Mizoguchi again employs the repertoire of bunraku in this tale of lovers thwarted by the constricting feudal hierarchy of 17th-century Japan. Kyôko Kagawa and Kazuo Hasegawa star as, respectively, the wife, Osan, and clerk, Mohei, of Ishun (Eitarô Shindô), a wealthy and corrupt scrollmaker. When Osan's brother asks her for help in paying a debt, she turns to Mohei, who agrees to use his master's seal to dispense the money she needs. Although he refuses to implicate Osan, Mohei is forced to confess his actions to Ishun, who publicly humiliates the clerk and locks him in a storeroom. Through a series of complications, Ishun arrives at the mistaken belief that Osan and Mohei are lovers. Mohei is instantly dismissed and forced into exile. But when Ishun offers a seppuku knife to Osan, she refuses ritual suicide, knowing that she's committed no crime, and escapes from her husband's house. The director counterposes the high-angle shots, vertical architecture, and entrapping shadows of Ishun's establishment--visual metaphors for the rigidity of this feudal society--with the simple grandeur of nature--a visual metaphor for love--in a compelling denunciation of destructive social mores.


Les Amants crucifiés
Kyoto au 18ème siècle. Osan, l’épouse du grand imprimeur du Palais Impérial, demande à Mohei, l’employé préféré de son mari, de lui consentir un prêt pour aider sa famille. Mohei, qui aime en secret Osan, veut utiliser le sceau de l’imprimeur pour obtenir cet argent. Son projet frauduleux découvert, Mohei se dénonce à son patron. Mais suite à un concours de circonstances, Osan est surprise aux côtés de Mohei. Compromise mais irréprochable, lassée des infidélités de son mari, Osan préfère quitter son foyer. Mohei fuit avec elle, et va être amené, malgré leur différence de classe, à lui déclarer son amour…

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27 septiembre 2008

Jean Renoir - La Règle du Jeu (1939)

Francès/French I Subs: Castellano/English
107 min I Xvid 512x384 I 1564 kb/s I 192 kb/s cbr AC3 I 23.97 fps
1.36 GB + 3% recuperaciòn/recovery
Última realización de la primera etapa francesa de Renoir. Escribe el guión Jean Renoir en colaboración con Carl Koch. Se inspira en "Les caprices de Marianne" (1883), de Alfred Musset, y en "El juego del amor y del azar" (1730), de Pierre de Mariveaux. Se rueda en Aubigny-sur-Nère (Cher, Francia). Producida por Claude Renoir y Jean Renoir para "Les Nouvelles Editions Françaises" (NEF), se proyecta en público por primera vez en sesión reservada a la prensa el 7-VII-1939 (Francia).La acción dramática tiene lugar en el aeropuerto de Le Bourget, Paris y en la finca rústica de La Celinière (Sologne), a lo largo de unos pocos días, en noviembre de 1938. Octave (Renoir), amigo del marqués Robert de La Chesnoye (Dalio) y de su esposa Christine (Gregor), les ruega que inviten a la cacería que van a celebrar en su finca al aviador André Jurieux (Tautain), enamorado de Christine. Entre los invitados se cuentan Geneviève de Marras (Parèly), amante de Robert, Octave, un general, la sobrina Jackie y otros amigos y vecinos. Entre los servidores están el guardabosques Schumacher (Modot), su mujer Lisette (Dubost), el nuevo criado Marceau (Carette) y otros. El film suma comedia y drama. Combina sátira, vodevil y tragedia. Bajo la apariencia de una inocente farsa campestre, elabora una aguda crítica de la alta burguesía parisina en vísperas de la IIGM. Muestra, sin palabras, cómo la clase dominante esta formada por personas inútiles, frívolas, vanidosas, incompetentes, hipócritas, superficiales y lujuriosas. Así mismo muestra cómo las personas modestas las imitan, asumen sus principios y reproducen sus pautas de conducta. El film se apoya en dos ideas centrales. Observa que todo el mundo miente: los prospectos de las medicinas, los gobernantes, la radio, el cine, los diarios... Las relaciones amorosas son intrascendentes, fútiles, triviales e inocuas. Constituyen, además, un grato motivo de diversión, entretenimiento y distracción. Los juegos del amor se pueden practicar fuera de la pareja, sin riesgos, en una sociedad sofisticada y moderna, si se cumple la regla de oro de salvar las apariencias. Con sutileza e ironía denuncia la condena de la sinceridad, el egoísmo de los privilegiados, la violencia con la que defienden sus prerrogativas, el antisemitismo, la xenofobia, el conservadurismo, etc.El guión se presenta bien elaborado y muy trabajado. Incorpora, con acierto, ambigüedades, insinuaciones, sutilezas y elegancia. Los diálogos son fluidos y eficaces. Los caracteres están desarrollados con maestría. Todos los personajes presentan algún desgarro: el marqués es judío, su esposa es extranjera, Octavio es un inútil, Geneviève es colérica, el aviador está mal considerado por ser sincero, Lisette es coqueta y casquivana, el guardabosque carece de habilidades personales, etc. El relato traspira amor al campo, a la naturaleza y al teatro. Consigue un gratificante tono de ligereza.En su conjunto la obra es compleja, completa, rica en recursos expresivos, emocionante y conmovedora.La música combina fragmentos clásicos (Mozart, Saint-Saëns, Chopin, Monsigny...) y de aires populares. Destacan las composiciones "Danza macabra", "Coros de caza" y "Minuto vals".
La fotografía, en B/N, se caracteriza por planos largos, un diligente trabajo de cámara y una extraordinaria profundidad de campo (anterior a la de "Ciudadano Kane", 1941), que permite a Renoir presentar en un único plano varias escenas simultáneas relacionadas. Demuestra afición a la teatralidad (disfraces, muñecos y pájaros mecánicos, colección de instrumentos musicales...). Juega hábilmente con la luz y las sombras. El estreno constituye un fracaso comercial. En los años 60 es reivindicada, se restaura y alcanza una elevada estimación. Película de culto.

The aviator André Jurieux returns to France after a record-breaking flight, but is heart-broken when the woman he loves, Christine de la Chesnaye, is not there to meet him. His friend, Octave, contrives to have André invited to the Chesnayes’ country mansion for a weekend of hunting and partying. Christine’s husband, Robert, has also been having a secret affair, and he has invited his mistress, Geneviève, for the weekend, but only with the intention of ending the affair. Octave, who has himself loved Christine since she was a girl, warns André that he cannot expect to win Christine, for that would breach the ‘rules of the game’. Whilst the party is in full swing, the Chesnayes’ gamekeeper, Schumacher, discovers that his wife, Christine’s maid, has been flirting with another servant, Marceau, and is determined to kill him...
One of the undisputed all time classics of French cinema, La Règle du Jeu is also widely regarded as Jean Renoir’s best film, a sublime masterpiece of filmmaking technique and satirical verve. Alternating between high drama and music hall farce, it has simultaneously the sophistication of a great work of art and also the sense of anarchistic fun of a student comic play. Filmed with the eye of a cinematographic genius, with excellent acting throughout, La Règle du Jeu is a classic in the truest sense of the word.

Le riche marquis de La Chesnaye organise une partie de chasse sur ses terres en Sologne. Il convie ses amis fortunés dans son château de la Colinière pour le week-end. André Jurieu, l’aviateur accueilli en héros qui vient de traverser l’Atlantique en solitaire pour l’amour de la naïve Christine, la marquise de La Chesnaye, est terriblement déçu de l’absence de cette dernière à l’aérodrome, et tente par la suite de mettre fin à ses jours. Son ami Octave, également familier du marquis, fait alors inviter Jurieu au château, scellant ainsi malheureusement son destin.
Se confronter à une œuvre telle que La Règle du Jeu, plus de soixante ans après sa première sortie en salles, et suite aux centaines d’analyses et de commentaires éclairés venus des quatre coins du monde, n’est pas une tâche facile. Le chef-d’œuvre de Jean Renoir, régulièrement placé dans les listes des plus grands films de l’histoire du cinéma, en impose donc par sa stature et sa renommée. Pourtant, loin d’apparaître comme un objet froid et distant, le film en lui-même s’offre comme un pur délice, brillant, léger et piquant, un spectacle intelligent et enlevé qui procure un plaisir des sens immédiat avant de fournir son lot de richesses thématiques et un sentiment diffus d’éternité grâce à son mélange de comédie et de tragédie. C’est d’ailleurs ainsi que le film a été pensé, comme un "drame gai", selon les propres termes de son réalisateur. Cependant, avant de connaître un succès critique et populaire d’envergure avec les années, La Règle du Jeu souffrit de mille maux, entre la désaffection du public et de la critique dès sa première semaine d’exploitation et les attaques contre son intégrité (multiples remontages et destruction du négatif original). Un film maudit qui attendra près de vingt-cinq ans avant de briller de son plus bel éclat.


Nuevos enlaces, gentileza de Ana

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Jean Renoir en Arsenevich

26 septiembre 2008

Jacques Rivette - Noroît (1976)


Francés/French | Subs: Castellano/English
128 min | XviD 672x368 | 1322 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1.4 GB + 3% recuperación/recovery


Viento del Noroeste
Morag llega al castillo de Giulia, hija del Sol, con el objetivo de vengar la muerte de su hermano, el cual fue asesinado por los amigos de Giulia.

Subtítulos en castellano de supersoft (24fps)

Nor'west
After her brother was killed by a notorious all-female pirate gang, Morag dedicates her life to bringing the murderers to justice. Soon, she has become an important member of the pirate gang and has begun acquiring the loyalty of key members. Eventually, she makes her move and challenges the leader, a demi-god (literally), known as "The Daughter of the Sun." The story of Noroit is based on an early 17th-century tragedy by Cyril Tourneur, and, though it is only the third one filmed, the movie is the concluding episode in a four-part series by director Jacques Rivette.
"Noroît contains the most beautiful images and sounds of any Rivette film, and the fewest indications of what a spectator is meant to do with them, apart from look and listen." Jonathan Rosenbaum

Morag se rend au château de Giulia, fille du soleil, pour venger son frère, tué par des amis de celle-ci.

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25 septiembre 2008

Mikio Naruse - Okaasan (1952)


Japonés | Subs: Castellano/Français/English
98 min | XviD 640x480 | 1668 kb/s | 128 kb/s cbr mp3 | 25 fps
1,23 GB + 3% recuperación/recovery
La madre
Ryosuke trabaja duramente día y noche para reconstruir su negocio de tintorería, destruido durante un bombardeo. Su esposa Masako y sus dos hijas, Toshiko e Hishako, hacen todo lo que pueden paar ayudarle, sacrificándose constantemente por el bien de la familia. Toshika está enamorada de un panadero de ideas progresistas. El padre cae enfermo y su hermana Kimura acude a visitarles. Se decide que Kimura habrá de ayudarles si algo le ocurriera al padre, quien muere poco después.
Este relato lleno de lirismo de la vida de la gente corriente es una de las obras maestras de Mikio Naruse, junto a 'Nubes flotantes'. Está basado en el guión de una mujer, Yoko Mizuki, que colaboró varias veces con el director.
Mother
A masterpiece of postwar Japanese cinema, Okasan is the story of a poor, working class mother with a sick husband who sacrifices herself to support her family in suburban Tokyo. The film defines "Shomin Geki," a Japanese film genre that features realistic depiction of the economic underclass, told with elements of light comedy and melodrama. Okasan is the best-known work of director Mikio Naruse, hailed by Japanese film historians as an equal of Kurosawa, Ozu and Mizoguchi, but underappreciated in the West.
Mikio Naruse presents a compassionate, resigned, and poignant examination of human struggle, perseverance, and sacrifice in Okasan. Juxtaposing the innocence and optimism of youth with the austerity of life in postwar Japan, Naruse reflects the gradual erosion of hope in the face of change and uncertainty: the town festivals that coincide with episodes of illness and death in the family; the Fukuharas' fond reminiscence of their hectic life as young parents with a newly opened business, as Ryosuke looks forward to the laundry shop reopening despite his debilitating illness; Chako's picnic at an amusement park that exacerbates Masako's motion sickness. From the opening shot of Toshiko's affectionate voice-over against the image of the resourceful Masako, arched forward, cleaning the house, Naruse conveys the understated and bittersweet image of his archetypal, resilient heroine - an unsentimental, yet graceful and reverent portrait of a tenacious, aging woman struggling - and literally yielding - against the interminable burden of poverty, heartache, disillusionment, and unrealized dreams.

La mère
La famille Fukuhara a perdu sa blanchisserie lors d'un incendie pendant la guerre. Le père espère la réouvrir bientôt et travaille d'arrache-pied dans ce but. Mais une suite de drames va obliger la mère à gérer seule le foyer, au sein d'un quartier peuplé de petites gens modestes ou les souvenirs de la guerre sont encore proches. Okasan s’agit de la chronique du quotidien d’une famille japonaise peu après la deuxième guerre mondiale : le film datant de 1952 c’est alors un sujet parfaitement contemporain. Raconté par la fille aînée Toshiko, le récit nous plonge dans la vie de ce foyer profondément marqué par les deuils successifs : la mort du fils aîné et du père. Mais aussi les petits évènements tristes ou gais qui rythment le temps qui passe : les jeux des enfants, le flirt de Toshiko avec un boulanger sympathique et un peu naïf, les clients de la blanchisserie, le voisinage, l’ami du père défunt et ancien prisonnier de guerre, les fêtes du quartier avec un concours de chant.

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Naruse Mikio en Arsenevich


24 septiembre 2008

Carlos Reygadas - Stellet licht / Silent Light (2007)


Plautdietsch | Subs: Castellano/English/Français/Portugués
132 min | XviD 640x256 | 1354 kb/s | 192 kb/s mp3 | 25 fps
1.4 GB + 3% recuperación/recovery


Luz silenciosa
Luz silenciosa fue filmada en Chihuahua con menonitas reales para poder transmitir con naturalidad una forma de vivir alejada de los parámetros de la vida moderna y consumista actual. Ellos tienen sus propias leyes, sus formas de relacionarse y hasta un propio lenguaje, una especie de dialecto alemán, que contrasta con el español mexicano que hablan los nativos.

La historia en sí cuenta la dolorosa situación que vive un hombre casado, su mujer y su amante, y la indecisión que experimenta al amar a dos mujeres en una comunidad que prohíbe y cuestiona con dureza la infidelidad. Pero lo que hace diferente a esta película no es la historia, sino la forma estética en la que está enmarcada. Cada momento pasa con una lentitud tan real como hipnótica, cada detalle está transmitido con imágenes de cuidada belleza.

Subs en castellano de intranauta (24fps)


Silent Light
Silent Light is a 2007 film written and directed by the Mexican filmmaker Carlos Reygadas. Filmed in Cuauhtémoc, Chihuahua, a city in the north of Mexico, the film is set in a Mennonite community and tells the story of a married man who falls in love with another woman. The dialogue is in Plautdietsch, the language of the Mennonites.The six-minute opening shot of Silent Light depicts the starry night sky giving way, slowly but relentlessly, to the nascent light of the early morning sun. This shot could in itself serve as a captivating short film but in its particular context it serves most obviously to set the overall pace for this film by the Mexican director Carlos Reygadas: slow.

The cast of Silent Light consists primarily of non-actors drawn from the Menonite religious community in which the film is set. Their fine performances create a believable and frequently captivating world for the viewer. We are given insights into the day-to-day lives of the family as the story slowly develops in stages, grimly charting the inexorable demise of the relationship between husband Johan and wife Esther. Around the stark central narrative there are some charming scenes and some superb camera work. Even the scenes where the children playing in the pond are all-too-aware of the presence of the camera carry a certain fascination.

Lumière Silencieuse
Dans la communauté des mennonites du nord du Mexique, Johan très croyant et père de famille tombe amoureux d’une autre femme.
La caméra fixée sur le ciel s’engouffre dans la nuit profonde où seules les étoiles scintillent au travers d’une brume légère. Le souffle du vent et les vagues piaillements d’une nature encore endormie se réveillent à mesure que l’aube révèle un ciel irisé, rouge, jaune, bleu, incandescent, accompagné par un travelling sensuel et énigmatique....

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17 septiembre 2008

Miguel Littin - El Chacal de Nahueltoro (1969)


Castellano/Spanish | Subtitles: Castellano/English
89 min | XviD 624x464 | 925 kb/s | 162 kb/s vbr mp3 | 29.97 fps
700 MB + 3% recuperación/recovery


Basada en hechos reales, esta película es un recreación de un impactante crimen, hito de la crónica roja o policial de Chile de mediados de la década de 1960, cuando un campesino llamado José del Carmen Valenzuela Torres fue apresado por el asesinato múltiple de una mujer campesina y sus cinco hijos, en la localidad de Nahueltoro (Chillán). Por la brutalidad del crimen cometido fue apodado "El Chacal".
Con cámara y montaje de raíz documental, el rodaje utilizó las locaciones reales en las que ocurrieron los hechos (el lugar del crimen, la celda, etc.), y todos los textos que se escuchan son oficiales: entre ellos, el expediente de la causa judicial y entrevistas de prensa al asesino múltiple.

Subtítulos en castellano míos

El Chacal de Nahueltoro is based on the true story of a crime that scandalized Chile in 1960. An illiterate peasant, Jose del Carmen Valenzuela, played by Nelson Villagra, murdered his companion Rosa and her five children. Jose was imprisoned, taught to read and write, and also given religious instruction whilst in jail, and then executed by firing squad.
Littin's point here is the ultimate irony that Jose was educated, taught the benefits of human civilization only in order to die. As he said, Chilean society humanizes in order to destroy.
The film was well received in Chile and was awarded the Chilean Critic's Prize of 1970. It also made Miguel Littin a star in the Latin American film world. Latin American critics said that it was not a great film, (Hablemos de Cine, Peru, March 1984) because the meshing of the two styles of narrative did not entirely work, but it is still considered one of Littin's better pieces of cinema, and stands as a powerful critique of a brutal and inhumane regime, and a valuable historical document of a rare period of liberalization in Latin American politics of this era.

English subtitles are my own.






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subs:

15 septiembre 2008

Ján Kadár / Elmar Klos - Obchod na korze (1965)


Eslovaco/Slovakian | Subs: Castellano/English/Portugués
125 min | DivX 576x432 |1485 kb/s |128 kb/s cbr mp3 | 29.97 fps
1,4 GB


La tienda en la calle mayor
Anton Brtko (Jozef Króner) es un humilde carpintero en una pequeña ciudad eslovaca durante la Segunda Guerra Mundial.Aunque observa con ironía y desprecio a los seguidores nazis que tratan de imponer su disciplina sobre la comunidad, erigir una absurda pirámide de madera en honor a nada y arianizar los comercios judíos locales, la presión de su esposa Evelina (Hana Slivková) y su cuñado Markus (Frantisek Zvarík), un caudillo fascista local, no deja de poner trabas a su tranquilidad.
Cuando Markus le ofrece hacerse cargo, en calidad de ario, de la mercería de la anciana Sra Lautmann (Ida Kaminská), su vida queda trastocada. Mientras Evelina se ilusiona con la idea de enriquecerse, Tono intenta hacer entender a la Sra Lautmann que queda relegada del negocio por ser judía, pero no sólo le resulta imposible a causa de la sordera de la mujer, sino que además entre ambos surge una relación de ternura y comprensión mutua. Las situaciones cómicas en la tienda se suceden mientras la fiebre antisemita se va intensificando en el exterior.

Subtítulos en castellano míos


The Shop on Main Street
During World War II, a Slovak man named Tono Brtko is offered the chance to take over the sewing store of an old Jewish woman named Rozália Lautmannová, as a part of the enactment of an Aryanization regulation in the town. While attempting to explain to Mrs. Lautmannová that he has come to replace her, a member of the Jewish community reveals to Brtko that the business itself is less than profitable, as Lautmannová herself relies on donations. The representative offers Brtko a substantial weekly payment in exchange for letting Mrs. Lautmannová believe he has only come to help her in the shop. Their relationship grows, until the authorities round up the entire Jewish population of Sabinov for transport, and Brtko finds himself conflicted as to whether he should turn in the senile Mrs. Lautmannová, or hide her.
Out of this simple situation, Jan Kadar and Elmar Klos, who made this film, have constructed a human drama that is a moving manifesto of the dark dilemma that confronted all people who were caught as witnesses to Hitler's terrible crime. "Is one his brother's keeper?" is the thundering question the situation asks, and then, as supplement, "Are not all men brothers?" The answer given is a grim acknowledgment.

A Pequena Loja da Rua Principal
Um inepto camponês Eslovaco divide-se entre a ganância e a culpa quando um chefe da base nazista de sua cidade o nomeia 'Supervisor Ariano' de uma loja de botões de uma idosa viúva judia. Humor e tragédia fundem-se na sarcástica exploração da cordialidade de um homem comprometido com o horror do regime totalitário. Com uma intensa edição e trabalho de câmera, ganhou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.

Nuevos enlaces (gracias a Ana)

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Marcel Carnè - Le Jour se Lève (1939)

Francès I Subs: Castellano/English (muxed)
91 min I x-264 mkv 784x576 I 2000 kb/s I 192 kb/s AC3 I 23.97 fps
1,41 GB
En un barrio obrero, una plaza y unas tiendas, un café y un inmueble de pisos en alquiler, alto como una montaña. El coche de un frutero pasa. Por la entrada del inmueble, un ciego empieza a subir la escalera cuando resuena una voz: “Te voy a cerrar la boca”. Un disparo. Una puerta del descansillo se abre y sale un hombre que se sujeta el vientre y rueda por la escalera hasta los pies del ciego que se asusta… François, solo en la habitación que pronto va a asediar la policía, puede recordar... Un drama oscuro, un acontecimiento normal distinto.


BR rip y capturas de pagan50 (KG)

El relato es espléndido. Marcel Carné sobresale al encuadrar en su marco arrabalero seres simples, gente corriente y descarriados sobre quienes se abate una fatalidad inexorable y literaria. Los representa con clarividencia,con amor, con una lucidez que sabe acoger lo novelesco e incluso la poesía, cuando no la precisión psicológica. El control del reparto, la belleza de las imágenes, la calidad del diálogo, la potencia de una acción disociada sin embargo por las necesidades de la narración y el ritmovoluntariamente lento adoptado por el autor hacen de “Le jour se léve” una película extremadamente agradable y robusta, cuya sustancia quizás no le guste, pero que no podrá por menos de admirar. La película estuvo prohibida al menos dieciséis años (motivo alegado por la censura militar en septiembre de 1939: "desmoralizadora").

An exemplar of French poetic realism, Marcel Carné's Le jour se lève (1939) turns a murder story into an evocative examination of a man trapped by circumstances beyond his control. In the script by Carné's main collaborator Jacques Prévert, Jean Gabin's working-class François shoots a man and holes up in his room, thinking back, in an impeccably structured flashback, to the events that brought him to that moment. Carné's camera does not shy away from the desperate, claustrophobic details of working-class life, yet the possibility for human connection gives François's existence hope, until the sadistic Valentin intervenes. The play of light and shadows as François waits out the night invests the surroundings' realistic drabness with a poetic sense of doom, matching the implacable fate that awaits the decent, tormented man. Trading on Gabin's image as a strong yet tender-hearted hero, Le jour se lève's François was seen as not just a man condemned by his class and human weakness but also the image of a country about to be overcome by the diabolical outside forces of World War II.

Un coup de feu claque au haut d’un immeuble de la banlieue parisienne. François, un ouvrier sableur apprécié de ses voisins, vient de tuer un homme. Tandis qu’il se remémore les circonstances qui l’ont amené à poser ce geste irréparable, la police s’apprête à donner la charge sous le regard curieux et inquiet de la foule amassée au bas de l’immeuble…Le Jour se lève appartient au genre policier. Par son intrigue dont le point culminant est le meurtre, il fait intervenir le personnage du « représentant de l’ordre ». Ce dernier occupe dans le film de Carné sa fonction naturelle dans le récit policier, et corrobore, ce faisant, la définition du genre policier du théoricien du cinéma Georges Altman : « Un film policier n’exprime que la lutte brutale et toute extérieure entre la société et l’homme qui ose vivre contre elle ». Et de fait, la police assaille la forteresse exiguë de François pour rétablir l’ordre et montrer qu’en dehors de la société, « …il n’y a qu’aventure et honte, faire sentir, d’ailleurs, qu’il est inutile de se dresser contre elle, parce qu’on finit toujours par être vaincu ».
Tragédie et fatalité Le tragique pèse sur tout le film, à travers la charge symbolique des objets, mais également dans le suicide de François, qui scelle son destin, dès lors qu’il fait taire pour toujours son rival, Valentin (son meurtre le condamne à la prison ou au suicide). Le récit donne dès le début le dénouement de l’histoire. Aussi, l’évocation du passé – l’amour avec la jeune fleuriste, ses rapports conflictuels avec le dresseur de chiens, sa relation avec la maîtresse de ce dernier – ne laisse aucune illusion sur la suite des événements. Dès le début du film, on sait qu’on assistera à un ballet tragique qui emportera avec lui ses quatre protagonistes principaux. Les personnages de Carné sont assurément victimes de la fatalité sociale.
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Marcel Carnè en Arsenevich

Nogent, Eldorado du dimanche (1929)
Hôtel du Nord (1938) 
Le Quai des Brumes (1938)
Le Jour se Lève (1939) 
Les Visiteurs du Soir (1942)
Les enfants du paradis (1945)
Les Portes de la Nuit (1946)