27 junio 2009

Jean-Pierre Melville - L'Armée des ombres (1969)


Francés | Subs: Castellano/English/Portugués (muxed)
145 min | x-264 1074x560 | 2746 kb/s | 256 kb/s AC3 | 23.97 fps
3,04 GB
El ejército de las sombras
Aclamado drama sobre la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Basada en la novela de Joseph Kessel, la película comienza en octubre de 1942 y nos presenta algunos meses en las vidas de los militantes en torno a Phillippe Gerbier, un tranquilo ingeniero civil que es uno de los verdaderos líderes de la resistencia. Philippe Gerbier (Lino Ventura) es jefe de uno de los grupos de la resistencia en París, contra la ocupación nazi, es capturado pero tras un ardid logra escapar y se une a otro grupo que desarrolla sus acciones en Marsella, el delator es descubierto y se procede a su ejecución, la narración ofrece una visión del coraje y los miedos de estos grupos que tan importantes fueron durante la segunda gran guerra. Estamos ante una de esas películas duras, ásperas, directas, pero por encima de todo imprescindibles. Melville nos regala un fresco de la resistencia francesa plagado de situaciones y con multitud de detalles. (http://otro-cine.blogspot.com)


Army of Shadows
France, 1942, during the occupation. Philippe Gerbier, a civil engineer, is one of the French Resistance's chiefs. Given away by a traitor, he is interned in a camp. He manages to escape, and joins his network at Marseilles, where he makes the traitor be executed... This non-spectacular movie (do not expect any Rambo or Robin Hood) shows us rigorously and austerely the everyday of the French Resistants : their solitude, their fears, their relationships, the arrests, the forwarding of orders and their carrying out... Both writer Joseph Kessel and co-writer and director Jean-Pierre Melville belonged to this "Army of Shadows".


France, 1942. Soupçonné de "pensées gaullistes", l’ingénieur Philippe Gerbier est incarcéré, puis transféré à la Gestapo, d’où il parvient à s’évader. Il se révèle être l’un des chefs de la Résistance, des hommes et des femmes que tout sépare, sauf la nécessité d’agir : Luc Jardie, le philosophe mathématicien, son frère Jean-François, tête brûlée tenté par l’aventure - chacun ignorant tout des activités de l’autre -, Mathilde, Le Masque, le Bison, et une poignée d’autres anonymes… C’est un long voyage au bout de la nuit qui commence pour ces soldats de la clandestinité, entre transmissions de renseignements et assassinats politiques, traqués par la Gestapo et la police de Vichy. Un voyage qui sera sans issue pour la plupart d’entre eux.


Blu Ray Rip de origen desconocido

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26 junio 2009

King Vidor - Hallelujah (1929)

Inglès/English I Subs: Castellano
109 min I Xvid 576x416 I 890 kb/s I 74 kb/s vbr mp3 I 23.97 fps
698 MB + 3 % de recuperaciòn/recovery
Zekial es un humilde granjero de origen afro americano, quien es convencido por Chick, una hermosa bailarina a participar en un juego de dados. "Aleluya" es el primer largometraje sonoro con un reparto afro americano. Originalmente fue producida como película silente pero luego fue alterada y reeditada incluyendo los diálogos, música espiritual y dos éxitos de Irving Berlin. Se ha dicho de Hallelujah! que es la primera obra maestra del cine sonoro. Esta aseveracion puede ser valida porque la película, incluidas sus imperfecciones, reviste cualidades suficientes para destacar con holgura entre lo mejor de la producción de la época. Por otra parte, el hecho de ser la primera película interpretada totalmente por negros que se aproxima con cierto rigor a su mundo la convierte en una obra decididamente singular, incluso insólita si se tiene en cuenta que King Vidor logró hacerla gracias a invertir en la empresa su sueldo de director. Se nota que Aleluya es el primer film sonoro de Vidor. Su proverbial sentido de la cohesión no alcanza aquí, obviamente, su cota más elevada. No obstante, a pesar del desequilibrio que comportó la experimentación con nuevos sistemas de rodaje, la obra resulta vidoriana al ciento por ciento, tanto por la temática que aborda, la intima correspondencia entre el éxtasis piadoso y la obsesión sexual, como por su tratamiento, con la transformación mediante el sonido, de aquella música silenciosa que tanto había preocupado a Vidor en tiempos del cine mudo. Con este material dramático King Vidor compuso una obra tierna y vigorosa, a través de la cual pudo satisfacer su viejo deseo de llevar a la pantalla una historia de negros y únicamente con negros, a partir de la sorprendente facilidad con que se sustituye la violencia del deseo carnal por la obsesión religiosa y viceversa, Si toda la película rezuma musicalidad, incluso sin música, son algunas de sus secuencias, en concreto, las que le situaron en los dominios de la leyenda. La escena de la taberna, con la muerte de uno de los hermanos, el pasaje de bautizo en el rio, el sermón del predicador, desencadenante de una histeria colectiva y la magnífica y celebre persecución final a través del bosque pantanoso, envuelto en sombras, dominado por extraños sonidos, y patéticos silencios, son, con toda probabilidad, los momentos más relevantes de la película escogidas oficialmente de la Historia grande del Cine. Para completar la banda musical de la película, rica en espirituales y soberbias canciones de plantación, Irvin Berling compuso dos números “Waiting at the End of the Road”, que cantan los Dixie Jubilee Singers en la plaza del mercado, en espera que sea pesado el algodón, y “Swanee Shuffle”, en ambos se aprecia el talante popular de la música de Berlin. (Texto de Chema Munàrriz, tomado de Anoche soñè que volvìa a Manderlay)
Hallelujah is a cinematic milestone: the first all-black feature from a major studio and famed director King Vidor's (The Champ, The Big Parade) first talkie. But the film surpasses its historical significance, telling a story of such profound dignity and understanding that it as fresh and moving as the day it premiered. Featuring a largely unknown cast and infused with spirituals, folk songs, blues and jazz (Irving Berlin provided two songs for the production), Hallelujah follows the fortunes of Zeke (Daniel L. Haynes), a poor cotton farmer. He succumbs to the temptations of Chick (Nina Mae McKinney), a mercenary honky-tonk girl, finds salvation in religion, and falls again when his obsession for Chick overpowers his better self. Love, loss, passion, redemption and brilliant moviemaking: Hallelujah has it all.
“Durante varios años yo había alimentado una secreta esperanza. Quería hacer una película sobre los negros y utilizando en el reparto únicamente negros. La sinceridad y el fervor de sus expresiones religiosas me intrigaban, así como la auténtica simplicidad de sus impulsos sexuales. En muchos casos, la mezcla de estos dos factores parecían ofrecer un contenido fuertemente dramático.” King Vidor
Nuevos enlaces, gracias a chicharro

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-o-
King Vidor en ArsenevichThe Crowd

23 junio 2009

Jacques Becker - Les amants de Montparnasse (1958)


Francés/French | Subs: Castellano/English
104 min | XviD 720x448 | 1954 kb/s | 192 kb/s AC3 | 25 fps
1,56 GB + 3% recuperación/recovery


Los amantes de Montparnasse
Melancólica biografía del pintor Amedeo Modigliani, pintor italiano de finales del siglo XIX que vivió en el barrio de Montparnasse en París desde 1906. Allí no solo explotó todo su talento, sino también tuvo que hacer frente a su adicción a la bebida y vivió una apasionada historia de amor con Jeanne. Finalmente, el artista fallecería de tuberculosis en 1920 con tan sólo 35 años.

La película iba a ser dirigida en un principio por Max Ophüls, aunque éste se encontraba bastante enfermo y no pudo hacerse cargo del proyecto. En su lugar se escogió a Jacques Becker, que completa un gran trabajo. Especialmente brillante resulta la ambientación de París, que va modificando su aspecto en consonancia con los acontecimientos vividos por el personaje central: su mejor etapa creativa se define con alegres cafés y vida bohemia; en su declive todo se vuelve más tenebroso y las sombras parecen acechar en cada callejuela.

DVD rip y capturas, cortesía de pipa (veinticuatrofps.com)


Montparnasse 19
A transitional film (1958, 108 min.) between the French "tradition of quality" and the New Wave, this slick biopic about the last year or so in the life of the painter Amedeo Modigliani (the title alludes to the bohemian quarter and the year, 1919) is a highly personal effort by one of the idols of the New Wave generation, the neglected Jacques Becker (Casque d'or, Le trou). At once clunky, overproduced, and naive, it's also sincere and moving, in spite of its faults as a statement about the gulf between serious artists and marketers. It's both helped and hindered by its glamorous cast: Gerard Philipe, Anouk Aimee, and Lilli Palmer. Jean-Luc Godard memorably defended this film when it came out by writing, "Everything rings true in this totally false film. Everything is illuminated in this obscure film. For he who leaps into the void owes no explanations to those who watch."

Dans le Montparnasse des années 1919-1920, le jeune Modigliani noie son amertume dans l'alcool. Il tombe amoureux de Jeanne et en dépit de l'opposition de sa famille, la jeune fille décide de partager la vie de l'artiste. Le couple brave les difficultés du quotidien, mais Modigliani ne rencontre que des échecs et replonge dans la débauche.Tandis que le peintre meurt à l'hôpital, un acheteur fait l'acquisition de plusieurs de ses toiles en présence de Jeanne qui attend le retour de Modigliani, pleine d'espoir.

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Jacques Becker en Arsenevich

19 junio 2009

Elem Klimov - Proshchanie (1981)


Ruso/Russian | Subs: Castellano/English/Français/Italiano
121 min | XviD 688x528 | 1597 kb/s | 112 kb/s AC3 | 25 fps
1,45 GB + 3% recuperación/recovery


Adiós a Matiora
Pese a que en la ex URSS el filme estuvo congelado porque los censores vieron en él cierta advertencia ecologista, en rigor, Adios a Matiora contiene mucho más que un planteo verde. El filme de Klimov enfrenta a sus personajes con una tragedia cultural. Matiora era una isla situada en la parte central de Rusia en medio a un gran río, pero como la Higueras de Las Huellas Borradas (Enrique Gabriel), será inundada para facilitar la construcción de un embalse. La madre tierra ofrenda su sacrificio en aras del progreso. Esa es la tragedia de los habitantes de Matiora.

No es casual que el conflicto se dispare cuando unos empleados pretendan usar sus palas contra el cementerio de la aldea; contra los ancestros, contra lo más tradicional. La narración del filme se apoya en escenas de gran energía provista por las actuaciones, una marca del cine ruso, pero además en ingredientes alegóricos (la escena en la que sus hijos buscan en la tiniebla del río a Daria, una vieja que nació en Matiora y allí vió nacer a sus nietos, es potentísima).

Matiora también es una puesta coral porque muestra cómo los personajes de la nueva y de la vieja generación viven el destierro, los jóvenes adelantando el fin, los viejos aferrándose al lugar hasta el último momento. El fuego, que en tantas puestas ha servido para purificar, oficiará aquí la irrevocable desaparición de Matiora.


Farewell
Matyoroy is a small village on a beautiful island with the same name. It has been decided that the island shall be flooded and returned to the sea. This is the story of the inhabitants of Matyoroy, who are forced to see the disassembling of their village, and their saying farewell to their homeland.

La historia de este filme también merece algunas líneas.

El libro es la adaptación de una novela de Valentin Rasputin realizada por Larissa Sheptiko (1938), cineasta formada en la principal escuela soviética de cine (VGIK) que fuera censurada en 1967 por un corto sobre la revolución bolchevique. Sheptico falleció en 1979 antes de comenzar el rodaje de Adiós a Matiora. Fue su marido Elem Klimov - el director de Rasputin, agonía de un imperio - el que concluyó el proyecto. Klimov tampoco era bien visto por la censura oficial; el filme llevó varios años archivado: tema y director disgustaban a los censores. Finalmente tras la realización de Venga y vea (Idi i smotri 1985), una épica sobre las atrocidades nazis en Bielorrusia, Klimov conquistó nuevamente la simpatía de los burócratas y Adiós a Matiora salió de su letargo.

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Larissa y Elem

18 junio 2009

Ken Loach - Kes (1969)

Inglès/English I Subs: Castellano
113 min I Xvid 560x336 I 808 kb/s I 96 kb/s cbr mp3 I 25 fps
697 MB + 3% de recuperaciòn/recovery
Billy Casper es un muchacho de aspecto triste que vive en un pequeño pueblo de Yorkshire, fracasando en los estudios y ganando algo de dinero de lo que consigue de pequeños robos. Un día Billy encuentra un pequeño halcón y decide cuidarlo para hacerle volar. Pronto se convierte en su mayor ilusión.
Elegida recientemente por el British Film Institute como la séptima entre las diez mejores películas británicas de todos los tiempos, "Kes" es la segunda realización de Ken Loach y una de las más admiradas del realizador en todo el mundo. Antes de que el Dogma se propagase como una mala pólvora liberadora en los modos de rodar de todo el mundo, un tímido director inglés de gruesas gafas, veterano de la RAF y fogueado en teatros universitarios de Oxford, volvía locos a los cámaras y encargados de sonido haciendo que persiguiesen sin aliento a unos actores que estaban viviendo momentos "de verdad" con sus personajes. Ken Loach, busca los trozos de realidad puros que se le escapan de las manos a las ficciones. Y los usa para poner en entredicho las estructuras de poder desde una óptica siempre militante. Cineasta comprometido, de mirada ácida. Todas sus películas se convierten en espejos de la realidad más sórdida, cruzadas contra la hipocresía de los gobiernos -de derechas y de pretendidas izquierdas- y defensa infatigable de sus héroes favoritos: los perdedores. Él mismo declara: "Siempre estaré a favor de los reprimidos". Su intención: "Despertar emociones en el espectador y provocar reacciones en la mente del público". Loach utiliza el arte para retratar y denunciar la explotación y las denigrantes condiciones de vida de la clase trabajadora. Un ataque a los fantasmas del pasado y a la indiferencia del presente, para prevenir que la historia se repita en un futuro próximo. Para los neorrealistas el fantasma era el fascismo de Mussolini, para Loach -en sus películas de los años 90-, el Thatcherismo. Loach ha plasmado como nadie aspectos de la sociedad británica que de otro modo permanecerían ocultos, como demuestran algunas de sus pelis más famosas.Un film inolvidable, ganador del premio principal en el Festival de Karlovy Vary.
This was only Ken Loach's second cinema feature but it still ranks as one of his finest and most moving films. Billy, a disaffected young lad living on a soulless Barnsley estate, finds a fledgling kestrel and, for the first time in his life, feels his imagination gripped. With infinite patience--and a book on falconry nicked from a local bookstore--he starts to train the bird. There's no boy-and-his-pet sentimentality here: the relationship between Kes the bird and the puny, taciturn Billy is the kinship, full of wary respect, between two wild creatures, and when Kes for the first time flies free and returns to Billy's wrist, the sense of exhilaration is overwhelming. Although Loach never rams his message home, it's clear that Billy stands for a whole generation of youngsters whose potential, barring some such chance event, will never be even fractionally realised. Chris Menges' photography brings out all the austere beauty of the Yorkshire locations, and Loach draws believable performances from his largely non-professional cast--especially the 14-year-old David Bradley, stunningly convincing as Billy. And anyone who has ever suffered under a bullying, self-satisfied sports teacher will squirm with recognition at the brilliant cameo from the late Brian Glover. --Philip Kemp
“Toda película es política.” Ken Loach
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16 junio 2009

Jean Vigo - Zéro de Conduite (1933)

Francès I Subs: Castellano
45 min I Mpeg 352x288 I 1150 kb/s I 224 kb/s cbr mpeg I 25 fps
414 MB
Obra maestra donde Jean Vigo (muerto a los 29 años con tan sólo 5 películas dirigidas) retrata sus recuerdos infantiles a través de la historia de cuatro jóvenes estudiantes franceses que, sujetos a un estricto régimen en su escuela, deciden rebelarse contra la institución. Filme prohibido en Francia en su estreno por su presunto mensaje antipatriótico.
Jean Vigo sólo realizó cinco películas en sus 29 años de vida. Las cinco son magníficas, pero tal vez èsta sea la màs importante e influyente (en su estela se encuentran desde "Los 400 golpes" de Truffaut hasta "If.." de Lindsay Anderson) .Es increible como un tipo que no ha rodado en total más de 3 horas de cine, ha sabido darnos en su obra más poesía, sinceridad, fuerza y calidad que muchos autores en toda su filmografía. Cero en conducta es, a resumidas cuentas, el más bello canto al anarquismo que ha recibido la historia del cine. Un canto a la rebelión contra toda autoridad, jerarquía e imposición. También es una nostálgica mirada a la niñez, a ese idealismo que surge espontáneamente de seres que no han sido aún corrompidos por las implacables cadenas de las leyes y el conformismo.La película está teñida de principio a fin de comicidad, sencillez y tierna nostalgia, y apenas para uno de reir en su corta duración. Vigo no critica con dureza, con pesimismo o con tristeza, simplemente, utiliza la burla como método de lucha, les da el poder a los niños, que cantan a la revolución y finalmente, aunque sea por poco tiempo, triunfan, sienten la libertad correr por sus venas. El film se burla además del machismo imperante en la época, de la jerarquía burocrática (desternillante el mini-director), de la Iglesia y de cualquier tipo de moral o lucha contra los impulsos más bellos y primitivos del ser humano. Inigualable dirección y una banda sonora memorable. El espectador tiene pocas posibilidades de elegir una sola escena memorable, todas son insuperablemente poéticas y hermosas.Elegiría tal vez algunas como la de la lucha de almohadas (impagable ese desfile de los niños a cámara lenta entre las plumas), cuando atan al director a la cama y la ponen en posición vertical, el paseo del cuidador con los niños (que sería homenajeado casi tres años después por François Truffaut, al cual debemos agradecerle haber recuperado la obra de este genial director), y por supuesto, ese emocionante e inolvidable final. Godard lo consideraba el padre del cine francès. Una de las más altas cumbres que el cine haya alcanzado nunca.Curiosidades : el padre de Vigo fue un anarquista que murió en la cárcel a causa de la tuberculosis, enfermedad que se llevó a su hijo tan pronto.En una de las escenas, el simpático cuidador hace una imitación (muy buena, por cierto) del vagabundo Charlot.

"Vergüenza para los que mataron en la pubertad lo que habrían podido ser." Jean Vigo

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Jean Vigo en Arsenevich

13 junio 2009

Jean-Pierre Melville - Le deuxième souffle (1966)


Francés/French | Subs: Castellano/English
150 min | XviD 720x432 | 1407 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,68 GB + 3% recuperación/recovery
El último suspiro
Los contratiempos de un gángster evadido de prisión que aspira a retirarse del universo del crimen. Después de haber matado a un truhán en un ajuste de cuentas, viaja a Marsella para huir al extranjero con su compañera. Pero la necesidad de dinero lo impulsa a aceptar cometer un atraco por cuenta del hermano de su víctima, todo ello con la policía detrás suyo.

Rip mío del DVD 9 de Criterion

Second Breath
Veteran gangster Gustave (Lino Ventura) escapes from prison to find his sister is being blackmailed by some petty thugs in this crime thriller. He plans one last caper to steal enough money in hopes of retiring to a tropical paradise. He and his gang are sought by a detective (Paul Meurisse), the cop who plays by the book and avoids the sadistic torture practiced by his less-honorable cohorts. Soon Gustave is caught between the police and the double-crossing gangsters and discovers too late that there is no honor among thieves.


1958. Gu, célèbre et dangereux gangster condamné à vie, s'évade de prison. Traqué par la police, il veut s'enfuir à l'étranger avec Manouche, la femme qu'il aime. Ayant besoin d'argent, il accepte de participer à un dernier hold-up. Grâce à lui, le coup est une réussite. Mais, victime d'une machination montée par la police, Gu passe pour un donneur et un traître aux yeux de ses complices. Pour laver son honneur, Gu prendra tous les risques...


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09 junio 2009

Samuel Fuller - The Baron of Arizona (1950)


Inglés | Subs: Castellano/English/Français
97 min | XviD 720x544 | 1793 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,34 GB + 3% recuperación


El baron de Arizona
Parece que la historia fue cierta: un individuo astuto invirtió buena parte de su vida en la falsificación de pruebas, documentos y hasta de una persona para tratar de erigirse en barón del estado de Arizona. Fuller reconstruye cada paso de la elaborada estafa pero no se queda sólo con esa anécdota sino que decide enriquecerla con pertinentes conflictos emocionales: el estafador queda, sin darse cuenta, cautivo de la falsa baronesa que él mismo ha inventado. Además del característico vigor narrativo de Fuller, el film se beneficia de un trabajo antológico del actor Vincent Price.

Rip mío del DVD9 Eclipse


Master swindler James Reavis devotes years to forging documents that will give him claim to the entire state of Arizona. He finds a young girl whom he believes is an orphan and hires a governess to educate her in the manner of the Spanish aristocracy. He invents deceased parents for her whose ancestry can be traced to a mythical Spanish nobleman. He then insinuates himself into a Spanish monastery for three years so he can access its biblioteca which carries the records of Spanish land grants. He later joins a gypsy band to have access to the library of a Spanish noblemen where he can alter duplicate documents. When everything is in place, he marries the now-grown young woman and puts in his claim as her husband as the Baron of Arizona.





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Sam Fuller en Arsenevich