31 diciembre 2010

Claude Chabrol - Alice ou la dernière fugue (1977)

Francés/French | Subs: Castellano/English
86 min | XviD 624x368 | 1182 kb/s | 83 kb/s mp3 | 25 fps 
810 MB + 3% recuperación/recovery

Alicia o la última fuga
En una noche oscura, un auto circula bajo una lluvia torrencial, patina y choca contra un obstáculo. Alice, la conductora, milagrosamente ilesa, comienza a buscar refugio. La luz de una vivienda aislada la atrae, su dueño parece conocerla y la invita a pasar la noche. A la mañana siguiente, ella se encuentra sola. Confundida, Alice quiere irse, pero la fuga no es posible, todos los caminos conducen de nuevo a su punto de partida...

DVD rip de pa6sur (KG)

Subtítulos en castellano del professor keller

 Alice or The Last Escapade
While leaving her husband, whom she now detests, Alice (Sylvia Kristel) drives into the countryside but must stop at an old house when her windshield cracks mysteriously. She is received at the house as if expected, and spends the night there while her car is being fixed. The next day, she cannot find the highway she turned off of, and returns again to the old house where a young man tells her she must "accept things." Once more she leaves, only to encounter a peasant wedding which is frighteningly boisterous and bawdy, whereupon her windshield breaks again. She returns to the mansion for the last time, where the truth is finally made apparent to her.

English subtitles by martinimus69 (KG)
 
Par une nuit noire, une voiture roule sous une pluie torrentielle, dérape et vient percuter un obstacle. Alice, la conductrice, sortie miraculeusement indemne, se met à la recherche d'un abri. La lumière d'une maison isolée l'attire, son propriétaire semble la connaître et l'invite à passer la nuit. Le matin venu, elle se retrouve seule. Déconcertée, Alice veut quitter les lieux, mais la fuite s'avère impossible, tous les chemins empruntés la ramènent à son point de départ...


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Claude Chabrol en Arsenevich

30 diciembre 2010

Jean Renoir - La Nuit du Carrefour (1932)

Francès | Subs:Castellano
71 min | Xvid 576x432 | 1217 kb/s | 76 kb/s mp3 | 25 fps
669 MB + 3% de recuperaciòn
Aventuras del comisario creado por G. Simenon Maigret.Su filme más misterioso. Una obra extraña y poética. Disparos, ruidos de carro, el aire aturdido de los habitantes de la aldea, la lluvia, los campos, la niebla...todo hace de La Nuit du Carrefour una espléndida película policiaca y de aventuras con enorme maestría en la creación de los ambiente citado.“La Nuit du carrefour”, adaptación de una novela de Simenon, ha sido durante muchos años una de las obras más invisibles y desconocidas de la filmografía renoiriana. Sobre ella ha existido una vieja leyenda negra, alimentada por el teórico francés Jean Mitry, que trabajó como meritorio del rodaje, según la cual se perdieron algunas latas de negativo del film, hecho que dificulta la comprensión de su trama. Algunos historiadores como el actual director de la CinémathéqueFrançaise, Dominique Paini la sitúan entre las películas de cine negro con tramas ligeramente incomprensibles, como “El sueño eterno” (The Big Sleep, 1946) de Howard Hawks. André Bazin no le dedica nigún parágrafo de su memorable libro sobre el director y Jean-Luc Godard, en una reseña del número especial que Cahiers du Cinéma dedicó al cineasta la describe como "la única gran película policíaca francesa, el más grande film francés de aventuras". Claude Beylie considera la película como una obra de una importancia similar a “L'Atalante” (1934) de Jean Vigo y como el film donde aparece en el cine de Renoir "el arte del desorden organizado, de la teatralización espontánea de la vida". Georges Simenon consideró “La Nuit du Carrefour” como la más perfecta de las múltiples adaptaciones cinematográficas de su obra y la interpretación del actor Pierre Renoir -hermano mayor del cineasta¬ como la mejor composición deMaigret.“La Nuit du Carrefour” es una obra extraña porque siendo una película de intriga -parte de la investigación del asesinato de un hombre en un garage- existe un abandono progresivo de los elementos narrativos en beneficio de la crea¬ción de una serie de atmósferas visuales que pretenden convertirla en una especie de crónica del terror humano. En muchas escenas, Renoir abandona los dispositivos narrativos de la encuesta policíaca para recrear el pasear nocturno de los protagonistas por escenarios llenos de reflejos de inquietud. La mirada distante y la figura luminosa de Else Andersen -Winna Winfried-, una adolescente danesa adicta a la cocaína que vive acompañada de una tortuga gigante, resulta difícilmente olvidable, como tampoco lo son los gritos de dolor de Carl Andersen (Geor¬ges Koudria) en la escena final, mientras un médico le extrae una bala. La figura impasible y enigmática de Maigret (Pierre Renoir) es como la de unespejismo que atraviesa un espacio cargado de evocaciones fantasmagóricas. A diferencia de la mayoría de películas de la serie negra, “La Nuit du carrefour” no avanza de la oscuridad a la claridad. El film parte de la niebla, para endensarse en la atmósfera cargada de humo del despacho de Maigret y acabar en la más terrible oscuridad, donde el aire se ha aturdido y los personajes parecen haberse convertido en sus propios espectros.Técnicamente, “La Nuit du carrrefour” es también una película llena de misterios. Su principal misterio es el uso que Renoir hace del sonido asincrónico. Como en las películas actuales de Godard, las voces aparecen mezcladas con toda especie de sonidos, sin que haya un primer término de diálogos planos y comprensibles. La iluminación está bañada de luces de apariencia expresionista que cargan y densifican las atmósferas. Entre los numerosos e impresionantes prodigios técnicos que pueblan todo el film,destaca una escena. En ella vemos la persecución en la noche de un Bugatti contra un grupo de traficantes. La persecución está rodada mediante un travelling frontal, puntuado por los reflejos de los disparos en la noche. “La Nuit du carrefour” recoge una herencia que va desde el cine de los folletines cinematográficos de Feuillade hasta los primeros filmes de Lang inspirados en estructuras folletinescas… (Angel Quintana, Nosferatu)

"Su film màs misterioso. Misterio tal vez de manera involuntaria, puesto que Jean Mitry perdiò tres rollos al final del rodaje y el montaje debiò hacerse sin ellos. Sin embargo, eso no importa. A saber: personajes de Dsotoievsky en un decorado propio de Une Tènèbreuse Affaire. Porque Simenon=Dostoievsky+Balzac, como dicen sin ninguna modestia los fanàticos del comisario Maigret. Yo respondo: sì, pero La Nuit de Carrefour demuestra que esta ecuaciòn no es cierta sino es porqueRenoir la hace serlo. Al llevar a la pantalla La Nuit de Carrefour el autor de Orvet ha convertido al novelista de Suicidès y de Touriste de Bananes en el de Mouchette y Une Crime.Nos encontramos ante un film extraño y poetico. Un miedo que no es , sin embargo, el miedo, y en el que se encuentra, no obstante, su explicaciòn. Incluso Pierre-Renoir Maigret encuentra la soluciòn del problema antes de que sea expuesto. Y comprendemos, en fin, esa exclamaciòn que Simenon pone en boca de Maigret despuès de cada investigaciòn: "Hombre, còmo no lo habìa pensado antes". En este "claroscuro" escoge lo "claro". Gracias a Renoir, aceptamos esta evidencia como algo absoltumente normal. Los disparos que inquietan la noche, el ruido de un Bugatti lanzado a toda velocidad en persecuciòn de los traficantes (sublime travelling hacia delante a travès de las calles de la aldea dormida), el aire aturdido, enloquecido o rijoso de los habitantes de la aldea,perdida al lado de la carretera nacional, el acento inglès de Winna Winfried y su anticuado erotismo de rusa morfinòmana y filòsofa, el ojo de halcòn perezoso de Pierre Renoir, el olor de la lluvia y de los campos mojados en la niebla, cada detalle, cada segundo, cada uno de los planos, hacen de La Nuit de Carrefour la ùnica gran pelìcula policìaca francesa; màs aùn, dirìa yo: el màs grande film francès de aventuras. " Jean-Luc Godard


Subtítulos en castellano, cortesía de Nando


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Jean Renoir en Arsenevich

27 diciembre 2010

Dino Risi - Anima persa (1977)

Italiano I Subs: Castellano/English
98 min | DivX 6 672x384 | 1003 kb/s | 128 kb/s mp3  | 25 fps
800 MB + 3% recuperación/recovery

 Alma perdida
Un joven se instala en casa de sus tios, debido a sus estudios. Una noche comienza a oir extraños ruidos, notas de música que provienen de un piano e incluso cree ver a alguien vestido de payaso. Comienza a investigar ya que sus tios no le creen, y será la sirvienta de la casa quien le haga descubrir el secreto que envuelve todos estos acontecimientos fantasmagóricos.

DVD rip de In_humanity (FH)

Lost Soul
When the young would-be artist Tino arrives in Venice to live at the house of his uncle while he studies art, he soon discovers that his Austrian/Venetian uncle's house is packed with mystery -- there are abandoned rooms from which strange sounds emanate. Eventually, he is told that his uncle's insane brother is being kept in rooms on the top floor, and only Uncle Fabio (who is seldom home) is permitted to visit them. However, youth and curiosity impel him onward to even more discoveries.

Da un romanzo (1966) di Giovanni Arpino: il giovane Tino è a Venezia ospite dello zio ingegnere che vive con la moglie cagionevole di salute. Ben presto si accorge che la casa nasconde un mistero. Una notte sale in soffitta e una realtà sconvolgente lo farà fuggire. Con questo film Risi, il Billy Wilder del nostro cinema, è passato al thriller e il salto gli è riuscito. C'è più di un risvolto segreto che può offrire un'angoscia e un'inquietudine molto attuali. Gassman sulla corda tesa di un istrionismo di alta scuola.


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22 diciembre 2010

Mikio Naruse - Otome-gokoro - Sannin-shimai (1935)

Japonés/Japanese | Subs: Castellano/English
TV rip | 76 min | XviD 668x528 | 1601 kb/s | 174 kb/s mp3 | 29.97 fps
971 MB + 3% recuperación/recovery
 Tres hermanas de corazón puro
Tres hermanas de corazón puro, escrita y dirigida por Mikio Naruse en su primer film sonoro, cuenta la historia de tres hermanas muy diferentes obligadas a trabajar como músicas shamisen de la calle para ganarse la vida. O-Ren (Chikako Hosokawa), la mayor, va de mal en peor y se encuentra encaminada hacia los bajos fondos de Tokio, la exasperada hermana del medio, O-some (Masako Tsutsumi) intenta proteger a sus hermanas apaciguando a su exigente madre Hahaoya (Chitose Hayashi), y Chieko (Ryuko Umezono), la más joven, busca amor con el amable restaurador Aoyama (Okawa Heihachiro).

Three Sisters with Maiden Hearts
Three Sisters with Maiden Hearts, writer-director Mikio Naruse's first sound film, tells the story of three very different siblings forced to work as samisen street musicians to make ends meet. O-Ren (Chikako Hosokawa), the eldest, is on a downward spiral into Tokyo's Asakusa district underworld, exasperated middle sister O-some (Masako Tsutsumi) attempts to protect her sisters by appeasing their demanding mother Hahaoya (Chitose Hayashi), and Chieko (Ryuko Umezono), the youngest, pursues love and romance with kindly restaurateur Aoyama (Heihachiro Okawa).

English subtitles by Guy Yasko and Glynford (KG)

Tres hermanas es una de las obras más formalmente experimentales de Naruse, haciendo uso de una estructura compleja y juguetona del flashback y una cámara en constante movimiento para delinear los distintos caminos de las hermanas en la vida. Los bailes de Chieko al estilo Folies Bergere son para destacar, y demuestran la comprensión y afinidad de Naruse para con la psicología del artista en función. En unos 76 minutos relativamente breves, la sensación es que Tres hermanas explora toda una vida de dolor y tragedia. (Keith Uhlich - Slant)

TV rip y capturas de Bressoniac (KG)

Subtítulos en castellano de Mario Vitale (AZ)

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17 diciembre 2010

Claire Denis - White Material (2009)

Francés/French | Subs: Castellano/English/Français*
101 min | XviD 720x304 | 1372 kb/s | 160 kb/s mp3 | 25 fps
1,08 GB + 3% recuperación/recovery

En un país africano cuyo nombre no se revela pero que, metonímicamente, funciona como alusión a toda una realidada continental-histórica, una mujer de nombre María se niega a abandonar la plantación de café que ha funcionado como herencia de su familia desde hace bastante tiempo. Claro, abandonarla sería la mejor idea en ese momento, debido a que el conflicto entre los rebeldes guerrilleros y las fuerzas paramilitares del estado han llevado el combate hasta puntos sin retorno, en donde la única salida lógica parece ser el sangriento aplastameinto de un grupo por el otro. El problema se acrecienta cuando empiezan a circular rumores de que uno de los miembros del grupo de los rebeldes, el líder militar del movimiento, un tal “boxeador” —- así lo llaman —-, está refugiado en la plantación... (Fernando Bogado - nota completa en Extracine )

DVD rip y capturas de newda (KG)

Subtítulos en castellano míos.

A contemporary story set in an unnamed African country torn by a rebellion. In a rural province, birthplace of one of the rebel chiefs, Maria, a fierce and fearless white woman, refuses to abandon her coffee crops, or to acknowledge the danger to which she is exposing her family. For Maria, to leave is to surrender: a sign of weakness, of cowardice. On this plantation which has already supported three generations of whites, André - her ex-husband and father of their teenage son - is frightened by her blind, stubborn pride. Without her knowing, he resolves to arrange the family's escape to France. The crops no longer mean anything to him. He has married again, a young African woman with whom he has a son, and for them, he will stop at nothing. Not even at betraying Maria by placing her destiny in the hands of the local mayor, a man he believes to be his friend.
Dans un pays d'Afrique, pendant une période troublée par une rébellion. Dans une province agricole dont un des chefs rebelles est issu, Maria, une femme blanche, farouche et brave, refuse de renoncer à sa récolte de café, refuse de voir le danger qu'elle fait courir à sa famille. Pour elle, baisser les bras c'est faire preuve de mollesse, de lâcheté. Dans cette plantation qui a déjà fait vivre trois générations de Blancs, André, son ex-mari, et le père de leur grand ado de fils, redoute l'aveuglement, l'entêtement et l'orgueil de Maria. Il décide d'organiser sans qu'elle le sache la fuite de la famille, le rapatriement de tous vers la France...

*Sous-titres français pour certains dialogues dans une langue africaine


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Claire Denis en Arsenevich

16 diciembre 2010

Jean Eustache - Les Mauvaises frequentations (1963)

Francés | Subs:Castellano/English (muxed)
39 min | x-264 mkv 640x480 | 2560 kb/s | 384 kb/s AC3 | 29.97 fps
714 MB
Anclado en la nouvelle vague, admirado por Godard y Rohmer, picaresco y desesperado, luminoso y sombrío a la vez, el primer cortometraje de Eustache prueba que, como se ha dicho, "su grandeza fue evidente ya desde el principio". Un personaje que prefigura, en su arrogancia absurda, al Alexandre de La Maman et la putain recorre junto a su mejor amigo las calles del suburbio parisino de Robinson, en busca de diversión y problemas. O sea: mujeres. Estableciendo la distancia rigurosa en el retrato de la juventud y la vida callejera que sería constante en el cine de Eustache, sus malas compañías impresionan, en palabras de Jean Douchet, "por tener los mejores contactos: aquellos con los maestros del cine".

Retomemos por un momento aquella idea de Godard que sugería que algunos de los más grandes cineastas de la historia podrían haber destacado en otros oficios de no haberse dedicado al cine. Entre aventureros, periodistas y aviadores, el suizo concluía diciendo que Nicholas Ray era el cine. Nosotros podríamos tomar prestada por un momento esta idea y hacerla extensible, actualizada, a los nombres que componen esta lista de 100 cineastas que proponemos en Miradas de Cine. Es probable también que pudiésemos encontrar un oficio para cada uno de ellos, pero… ¿y Jean Eustache? ¿Qué sucede con el cineasta de Pessac? ¿Deberíamos hacer caso de sus propias palabras cuando decía que en ocasiones se veía más como un novelista antes que como un cineasta? Aunque lo literario tenga un peso importante en su cine, lo cierto es que parece difícil imaginarle como otra cosa distinta a la que fue. El cine impregnaba su ser, de él se sirvió para trazar su biografía, y quizá, fuese el cine —como llegó a afirmar Phillipe Garrel— el causante de su muerte. Sus mentores fueron los jóvenes turcos de Cahiers, que le obligaron a pensar, pero, a diferencia de aquellos, la nueva generación (el propio Eustache, Garrel, Pialat…) guardará su cinefilia en el interior, como una herida espiritual: conocer la belleza y saber de la imposibilidad de recuperarla. Eso sí, quizá en su acepción de cineasta cabría algún matiz significante; Eustache sería más bien un artesano-cineasta, «para bodas y banquetes» como le gustaba decir; sin ironía, con humildad.
Baste regresar entonces a las imágenes del díptico formado por La Rosière de Pessac (1968/1979) filmadas con una década de diferencia entre ellas. Allí, Eustache regresa a provincias, en pleno revuelo del sesenta y ocho francés, para filmar con distanciada objetividad un rito popular de origen medieval. Algo tan banal (y reaccionario) como la elección anual de una doncella virtuosa de la población ocupa por completo el desarrollo del filme. Pero no debemos entrar en sus imágenes esperando algún tipo de comentario irónico u oculta moraleja por parte de su director; en caso contrario la tozuda sucesión de imágenes nos expulsará del filme tarde o temprano. Allá donde otros otorgan sentido al discurso conforme a sus intereses mediante habilidades de yuxtaposición, comentario o planificación, Eustache renuncia conscientemente a todo aquello que muchos se empeñan en perseguir, eso que solemos llamar “la mirada propia” limitándose (sic) a observar con ojos respetuosos y despiertos la realidad que le rodea —en este mismo sentido optará por la bicefalia en la dirección de Le cochon (1970), tratando de borrar toda huella o intencionalidad en sus imágenes—. Su voluntad más preciada será entonces registrar, dar fe: «El papel del autor en el cine debe ser un papel de no intervención; es lo contrario del autor dramático, que inventa… Para mí, el autor en el cine debe estar allí para que el poder no sea tomado por los demás, pero no para que él imponga su voluntad». Una declaración de principios que conecta al cineasta con el origen mismo del cinematógrafo y las primeras imágenes (construidas, no inventadas) tomadas por los operadores Lumiére; una conexión que puede apreciarse con claridad en la construcción de filmes como los anteriormente mencionados o Número Zéro (1971), pero también en la complejidad del punto de vista adoptado en Une sale histoire (1977), Le Jardin des délices de Jérôme Bosch (1980) u Offre d’emploi (1980). Así, cuando regrese a Pessac en 1979 para filmar de nuevo la fiesta de La Rosière, Eustache capturará en sus imágenes no otra cosa que el paso del tiempo, la inmóvil evolución de las tradiciones, de los cambios que operan en la superficie: ropajes, colores, espacios, y que le llevarán a lamentar que alguien, antes que él, no hubiese filmado esas mismas imágenes décadas atrás, durante la ocupación alemana o antes incluso del estallido de las grandes guerras.
¿Qué sucede entonces con las ficciones más puras, aquellas por las que el cineasta de Pessac es habitualmente recordado? Para entrar en ello debemos hacer de nuevo un alto en el camino. Cuando Eustache sitúa su cámara ante Odette Robert, su propia abuela, en 1971 y filma sin cortes las dos horas que componen originalmente Número Zéro, lo hace con el propósito de preservar en celuloide un rostro y una voz, pero sobre todo un testimonio y un tiempo. El testimonio será el espacio de la propia biografía, la historia familiar —la película surge de la necesidad de preservar ésta como legado para su hijo Boris—. No hay lugar para la gran Historia, para la revelación, pero al mismo tiempo, por el mero hecho de imprimirse en celuloide, todo deviene Histórico (en el mismo sentido en que lo hacen las imágenes Lumiére de un tren llegando puntualmente a su estación o de un grupo de obreros saliendo de la fábrica tras una jornada de trabajo). Es en éste deslizamiento de lo general a lo particular en el que la objetividad del artesano y la subjetividad del poeta comienzan a fundirse, sirviéndose de la cámara como el arqueólogo de su instrumental para sacar a la luz, analizar y preservar. Es posible que nadie más que el propio cineasta pudiera abarcar por completo el significado emocional de ese rostro y ese relato concreto, recogido al calor de un whisky y unos cigarrillos, pero es de ese mismo instante de confluencia del que surge una irrenunciable necesidad, aquella que pasa por atrapar el tiempo en imagen. La imagen se revela entonces testimonio de todo aquello que permanece en off. Y quizá sea por este camino, el de la imbricación de la necesidad íntima y el deseo de dejar constancia de un tiempo, por el que llegaremos entonces a La maman et la putain (1973) —filmada no por casualidad inmediatamente después de Número Zéro—, donde lo biográfico y lo relatado se unen hasta no conformar más que un todo indisoluble.
Podemos estar tentados entonces de leer las ficciones de Jean Eustache como el recorrido biográfico del joven autodidacta que se traslada a vivir a París, donde hacen aparición los cines, los bulevares y los cafés —«No hay un futuro que esperar ni un lugar adonde ir; hay cafés»—. Comenzaríamos entonces con Mes petites amoureuses (1974) asistiendo al paso a la madurez del joven Daniel y cómo, en él, los estertores de una mentalidad inocente, sentimental y romántica se enfrentan por primera vez a su absoluta negación y descreimiento. Llega después la amarga juventud en provincias, la precariedad económica y sentimental de Les Mauvaises Frequentations (1963) yLe Père Noël a les yeux bleus (1966). Pequeños relatos de itinerarios morales á la Rohmer pero en los que se suprime toda consecuencia reflexiva por parte de sus personajes. En la primera de ellas, lejos de ser la pareja de amigos quienes den por clausurada su jornada de aventuras, será el cineasta quien los deje marchar, cantando por las calles dispuestos a continuar la fiesta en un burdel. Los personajes de Eustache poseen la dureza y melancolía del provinciano, con las tentaciones de la capital, observarán con una mezcla de envidia y desprecio a burgueses e intelectuales, pero abandonando toda esperanza, toda creencia en sí mismos, abordados por un exacerbado nihilismo. Será así, con éste bagaje, como lleguemos a la resaca post mayo 68 en la que la política pasará a ser un elemento más de la vivencia individual y sentimental en La maman et la putain. Todo se revela entonces gris, bello y triste, como recuerda Michel, en uno de los excepcionales monólogos que componen el cuerpo del filme, «en esas horas del amanecer en las que confluyen en las barras de los bares los trasnochadores, los solitarios y los obreros dirigiéndose al trabajo». La única conclusión posible será la entrega absoluta, temerosa y vacilante, al amor, una arcada violenta que sobreviene en el instante decisivo, cuando se han acabado todas las palabras.
Pero continuar de este modo, separando las ficciones de los documentales, tan sólo nos conduciría a dejar atrás mucho más de lo que creemos. Para ver completamente a Jean Eustache agazapado tras sus imágenes deberíamos unir todos sus filmes e, intercalando unos con otros, trazar esa línea vital comenzando por la historia familiar en Número Zéro —como señala certera la abuela del cineasta, «si hay que empezar por alguna parte, empecemos por el principio»—, pasando al espectral recuerdo del lugar de la infancia capturado entre las imágenes de La Rosière de Pessac, abrazando la dolorosa adolescencia en Mes petites amoureuses y seguir así el itinerario del desencanto hasta La maman et la putain. Es en este deseo de anotar, de ver y reconstruir lo vivido, de atrapar el (propio) tiempo en una imagen, en el que parece que el único compañero de viaje posible para Jean Eustache sea Jonas Mekas. Ambos atacados por una misma pulsión enfermiza por registrar, por atrapar en el tiempo y que por caminos bien distintos los conduce a ambos a un cierto estado de primitivismo, de pureza.
Quizá no podamos contar a Jean Eustache entre ese puñado de cineastas decisivos para la historia del medio, mucho menos para la gran Historia. Ni falta que hace. Aunque en sus películas haya abrazado complejas estructuras de representación no se recordará por ser un creador de nuevas formas —es casi un reaccionario en este sentido— y los caminos transitados por su cine probablemente tan sólo le hayan servido a él mismo. Pero qué importa. Su cine, formado por grandes bloques de rotundidad escultórica y pétrea, hace pensar en una de esas amistades que se pierden en la oscuridad del recuerdo, forjadas en noches de insomnio y excitación juvenil; a confesiones expresadas a media voz durante un paseo de tarde, en alguna ciudad de provincias. Vivencias/imágenes que se contienen en formas tan puras que permanecen intactas a pesar de los años y las distancias, unidas por lazos invisibles a nuestros pasos. ¿Alguien da más? (Texto de Ángel Santos Touza, tomado de Miradas de Cine)
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DVD rip y capturas de alexkid (KG)


"Desde siempre he rechazado el título de "artista"... Desde hace tiempo rechazo sin embargo considerar el cine como un oficio. Eso es. Ni el escritor, sentado cada día ante su mesa de trabajo, ni el cineasta, ocupado en el plató, tienen tiempo de esperar a la inspiración. Y el resultado del trabajo, de un trabajo encarnizado, es más interesante que el de un "período de inspiración". La fantasía tiene su lugar, claro. Pero lo que cuenta es sobre todo el cuidado y el remate del trabajo. Me enteré hace tiempo de que los artesanos de la Edad Media debían realizar una obra para probar su habilidad. Se exponía y, si se la juzgaba mala, se quemaba. Aquello era una obra maestra. En definitiva, la palabra "artesano" se ajusta bastante bien al cineasta que yo querría ser." Jean Eustache
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Jean Eustache en Arsenevich

13 diciembre 2010

Brillante Mendoza - Lola (2009)

Tagalo | Subs: Castellano/Français/Portugués
110 min | XviD 704x400 | 1684 kb/s | 224 kb/s AC3 | 25 fps
1,46 GB + 3% recuperación/recovery

Abuela
Dos ancianas deben lidiar con las consecuencias de un crimen que involucra a sus nietos: uno es la víctima y el otro el sospechoso. Pobres y débiles, ambas parten en busca de dinero en mitad de una tormenta. Lola Sepa, acompañada de su nieto menor, enciende una vela en el lugar del asesinato de su otro nieto a manos de un ladrón de móviles. Luego inicia su búsqueda de fondos para el funeral y el juicio. Por su parte, Lola Puring se enfrasca en una laboriosa recogida de dinero para conseguir la libertad temporal de su nieto, el asaltante...

DVD rip y capturas de duder (KG)

Subtítulos en castellano de laxa (AZ)

A Manille, deux femmes âgées se trouvent confrontées à un drame commun : Lola Sepa vient de perdre son petit-fils, tué d'un coup de couteau par un voleur de téléphone portable ; Lola Puring est la grand-mère du jeune assassin, en attente du procès. L'une a besoin d'argent pour offrir des funérailles décentes à son petit-fils, pendant que l'autre se bat pour faire sortir le jeune homme de prison. Déambulant dans les rues de la ville sous une pluie battante, elles luttent infatigablement pour le salut de leur famille...

A história de duas avós que lidam com as consequências de um crime que envolve os seus respectivos netos. O neto de Lola Sepa foi morto por um ladrão de telemóveis. A sua avó pobre e sem dinheiro para fazer um enterro digno, está disposta a fazer um empréstimo bancário. Por outro lado, a outra avó, Lola Puring está decidida a tirar o seu neto Mateo da prisão, mesmo sabendo que ele matou o neto de Lola Sepa. Ambas frágeis e sem dinheiro farão tudo para ajudar os seus netos – uma tenta arranjar dinheiro para o enterro de um e outra para a fiança do outro...


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12 diciembre 2010

Satyajit Ray - Pather Panchali (1955)

Bengalì | Subs:Castellano/English/IT/FR/PT
125 min | x-264 656x480 | 1420 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,45 GB

Narra la historia de una familia bengalí. El padre, Harihara, es un sacerdote seglar, curandero, soñador y poeta. Sabajaya, la madre, trabaja para alimentar a una familia, que recibe con alegría y esperanza la llegada de un nuevo hijo, Apu. Debut del gran director indio Satyajit Ray. Supone también el primer film de "La trilogía de Apu". Pather Panchali jugó, dentro de la historia del cine de la India, un papel de descubrimiento en Occidente parecido al desempeñado por Rahomon (ídem, 1950), de Akira Kurosawa, gran admirador de Satyajit Ray, con respecto al cine japonés. Pese a partir de una novela del ya mencionado Bibhutibhushan Bandyopadhyay, y a falta de conocer el original literario, lo cierto es que Pather Panchali deja entrever la influencia de Rabindranath Tagore (1861-1941) y al doctrina panteísta que inspira la obra de este último. Téngase en cuenta que Ray estudió en la escual de Santiniketán, fundada por Tagore en 1901, y que el realizador siempre tuvo muy presente a este último: sin ir más lejos le dedicó un documental en 1961, y con El mundo de Bimana adaptó su novela "La casa y el mundo".
Explicado muy rápidamente, el panteismo es una doctrina filosófica que pregona la identificación de Dios con el mundo, y que puede interpretarse desde un punto de vista "acosmista" (Dios es la única realidad auténtica, de la cual el mundo es manifestación) o "ateísta" (el mundo es la única realidad, y esta es Dios). Pather Panchali es un bellísimo poema panteisa, en el cual las vicisitudes de los personajes y el lugar en el que viven conforman una unidad: lo que les ocurre a los unos ocurre en el otro, y viceversa. La trama, aparentemente muy sencilla, es en el fondo extremadamente compleja, pues en el cine de Ray —salvando las distancia, como el de Yasujiro Ozu— parece que no pasa nada, pero en realidad pasa todo. De ahí la importancia que tienen en el film los numerosos planos que detallan, aparentemente sin que vengan a cuento, los exteriores que circundan el hogar de la humilde familia protagonista (los árboles del bosque, el sendero, los campos de trigo, la vía del tren, los cielos nubosos) y diversos gestos cotidianos de los personajes (comer, lavarse, cocinar, limpiar, dormir). Todo forma parte del mismo conjunto, a modo de poética fusión, natural y sin estridencias, entre los seres humanos y el entorno en el que viven y sobreviven.
La descripción de los personajes corre pareja a esa perspectiva naturalista. Sarbojaya, la made (Karuna Bannerjee), refleja en sus gestos, en su mirada la fatiga acumulada a lo largo de años despeñando sus tareas de ama de casa, mientras Harihar, el padre (Kanu Bannerjee), vive en su propio mundo, ganándose buenamente la vida por los caminos como sacerdote y vendiendo poesías, lo cual le obliga a abandonar el hogar durane meses sin se consciente de cómo repercute ello en su sufrida esposa. Durga, la hija mayor, aprende desde muy pequeña (Runki Banerjee) su condición de pobreza, y al rozar la adolescencia (Uma Das Gupta) intenta rebelarase contra aquella. La anciana tía de Harihar (Chunibala Devi) arrastra pesadamente su vejez, protagonizando significativas huídas temporales del hogar que no son sino antesala de su propia muerte. Y el pequeño Apu (Subir Bannerjee) todavía es demasiado niño para hacer otra cosa que no sea observar y empezar a comrpender el ciclo vital que se produce a su alrededor.
Cada plano de Pather Panchali es como el bordado de un maravilloso tapiz magistralmente dibujado sobre la base base de un contrastado realismo pero que, cuando es necesario, se permite fugas que rompen esa tonalidad y se adentran en el terreno de lo poético (no deja de ser chocante que buena parte de la fama de Ray se susstente sobre el realimso de la trilogía de Apu, siendo así que la mirada está llena de momentos de lo más estilizados: quizás habría que preguntarse qué se entiende por realimso y qué por realimso cinematográfico). Hay que reseñar las escenas que preceden a la inminencia muerte de la entrañable anciana (ese plano magnífico en el que un perro olisquea el lugar que ocupaba la mujer antes de que parta hacia el bosque para fallecer, como un pequeño animal, entre la arboleda) o la extraordinaria secuencia de la muerte de Durga, cuya agonía esta sugerida por una tormenta nocturna que agita los árboles e intenta penetrar por puertas y ventanas, como si la naturaleza reclamara la vida de la niña, a pesar de los desesperados esfuerzos de su madre para impedirlo. (Miradas de Cine)
Pather Panchali tells the story of a family inching slowly and irrevocably, over the course of several years, toward the edge of financial and emotional disaster. In a rural Bengali village, circa 1919, Harihar (Kanu Bannerjee) recites sacred texts and performs religious rites for a living. He dreams of being a playwright, but he must support his growing family.
His wife, Sarbajaya (Karuna Bannerjee) must suffer her husband's long absences as he searches for work and the hostile pity of extended family members who are better off financially and socially. Her daughter, Durga (Uma Das Gupta), has the bad habit of stealing mangoes from the neighboring orchard, which adds to her mother's shame. When a son, Apu (Subir Bannerjee), is born, things seem to be looking up for the family. But it is only a short-lived illusion.
First films don't come any better than Pather Panchali. Made in 1955 by Satyajit Ray, this truly remarkable feat of storytelling is a must-see kind of movie. Ray reveals a gift for presenting stories that unfold gently, one engaging scene at time. This film delivers an amazing emotional punch that will linger in your consciousness for some time, not in spite of, but because of its simplicity. The story is based on the novel of the same title, written by Bibhutibhushan Banerjee. Shot in glorious black and white, it runs for 115 minutes. The script is by Satyajit Ray, the music by Ravi Shankar. --Luanne Brown
"Recuerdo una historia, cuando visité la India para un festival de cine, hace bastante, había un enorme árbol que casi medía una milla de ancho. No sé por qué de repente recuerdo esta historia. Quizás porque desde el primer momento que ví a Satyajit Ray pensé que ese hombre era como un enorme árbol. Un inmenso árbol en los bosques de la India. Y siguió creciendo hasta alcanzar esa milla de ancho. Es el único que puede llegar tan grande. Mi mayor admiración por él." Akira Kurosawa
Los fotogramas corresponden al rip anterior
Enlaces de 500 MB

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-o-
Satyajit Ray en Arsenevich

PD: A Sara .

10 diciembre 2010

Fritz Lang - M (1931)

Alemán/German | Subs: Castellano/English
111 min | XviD 576x480 | 1600 kb/s | 192 kb/s AC3 | 23.97 fps
1,39 GB + 3% recuperación/recovery

 M, el vampiro de Düsseldorf
Alemania, la década del 30. Un asesino serial acosa la ciudad y su blanco son las niñas. El sicópata ha dado muerte a 8 niñas y la paranoia urbana cunde, sumiendo a la ciudad en la desesperación. Todos los intentos por localizar al homicida han sido infructuosos, desde el rastreo de pacientes siquiátricos dados de alta hasta múltiples redadas en los bajos fondos. Precisamente el crimen organizado decide ponerse en marcha y atrapar al asesino, para poder quitarse a la fuerza policial de encima, ya que arruina todos sus negocios. Organizando a los mendigos en equipos y asignando zonas, el mundo del crimen rastrea la ciudad en busca del homicida. Pero un ciego, vendedor ambulante de globos, ha creído reconocer a un sospechoso por su tonada - silba constantemente un tema de la obra de Grieg Peer Gynt -, a quien le ha vendido el mismo día que asesinaron a la última niña...

Rip mío del DVD9 edición Criterion

A psychotic child murderer stalks a city, and despite an exhaustive investigation fueled by public hysteria and outcry, the police have been unable to find him. But the police crackdown does have one side-affect, it makes it nearly impossible for the organized criminal underground to operate. So they decide that the only way to get the police off their backs is to catch the murderer themselves.

M le Maudit
Berlin, au début des années 30. Un mystérieux pervers hante les rues à la recherche de ses futures victimes, enfantines de surcroit, qu’il viole et tue ensuite. L’opinion publique s’émeut, la police organise des rafles répétées qui inquiètent la pègre, incapable de mener ses activités en toute tranquillité. Afin de retrouver des conditions normales, les bandits à la petite semaine s’organisent pour défaire l’assassin et l’empêcher définitivement de nuire. De son côté, la police continue ses investigations…



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Subtítulos

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Fritz Lang en Arsenevich