30 diciembre 2011

Jean-Charles Fitoussi - Les Jours où je n'existe pas (2002)

Francés/French | Subs: Castellano/English
111 min | XviD 640x480 (4:3) | 1626 kb/s | 153 kb/s mp3 | 25 fps
1,42 GB + 3% recuperación/recovery

http://www.imdb.com/title/tt036398/
 
Nondescript Parisian Antoine only exists every other day. At midnight he vanishes, re-materialising in the same spot 24 hours later: to him, the time is continuous. He has long since adapted to his unusual half-life, but complications arise when he falls for the lovely Clementine.
Antoine ne vit donc qu’un jour sur deux. Don ou malédiction?
Antoine sólo existe día por medio. ¿Don o maldición? 
Fitoussi réalise en 1994 un moyen métrage, Aura été, s’inspirant des jeux d’ombre et de lumière créés par les nuages passant sur des champs avec, en toile de fond, une histoire policière. Il tourne ensuite D’ici là (1997, 70 min.), film essai sur les paradoxes temporels dont le tournage à Rome lui prend près de deux ans. C’est dans cette ville qu’il rencontre en 1996 J.-M. Straub et D. Huillet et devient leur assistant jusqu’en 2002.
Remarqué aux festivals de Locarno, Turin et Belfort, son dernier long métrage Les jours où je n’existe pas (2002), retrace la vie d’Antoine, un homme qui n’existe qu’un jour sur deux! Supportant tant bien que mal ce handicap, celui-ci devient insupportable le jour où il tombe amoureux… Pour ce film, qui s’apparente aux contes fantastiques, Fitoussi réussit – comme il le souhaitait – à travailler avec une grande simplicité tant dans le traitement de l’image, de la lumière et du décor que dans la direction d’acteur.
En 1994 Fitoussi dirige un mediometraje, Aura été, inspirado en los juegos de sombra y luz creados por las nubes que pasan sobre los campos, con el trasfondo de una historia policial. A continuación realiza D'ici là (1997, 70m), film-ensayo sobre las paradojas del tiempo cuyo rodaje en Roma le insume dos años. Es en esta ciudad donde conoce en 1996 a J.-M. Straub y D. Huillet, convirtiéndose en su asistente hasta 2002.
Señalado en los festivales de Locarno, Turín y Belfort, su último largo, Les Jours où je n'existe pas, sigue la vida de Antoine, un hombre que sólo existe día por medio. Antoine sobrelleva como puede esta desventaja, pero la situación se le hace insoportable el día en que se enamora. Con este film, que abreva en el género fantástico, Fitoussi logra lo que deseaba: trabajar con una gran simplicidad tanto en el tratamiento de la imagen, de la luz y del decorado como en la dirección de actores.
Laura Legast, Cinéma Spoutnik 
"A ce sujet, il faut citer Artaud: "Le cinéma se rapprochera de plus en plus du fantastique, ce fantastique dont on s’aperçoit toujours plus qu’il est en réalité tout le réel." Cherchant à appréhender le réel, à mettre à jour son caractère opaque, insondable, paradoxalement à jamais "inhabituel" (Empédocle parlait de "demeure inaccoutumée"), je m’intéresse donc de très près au fantastique. Cela dit, le terme est parfois tellement dévoyé qu’il a fini par ne plus évoquer qu’un certain quota d’"effets spéciaux" et je ne voudrais pas laisser croire à ceux qui ne jurent que par les dernières prouesses technologiques qu’ils trouveront leur compte dans ce film! A cet égard, la machine des frères Lumière produit déjà à elle seule un premier effet très spécial, auquel vient s’ajouter un second, le montage. Je m’en suis tenu à explorer quelques possibilités de ces effets, comme le "fantastique" du simple raccord cut ou du hors champ, avec lesquels j’ai joué." 
"A este respecto, corresponde citar a Artaud: 'El cine se aproximará cada vez más a lo fantástico, de lo que progresivamente nos percatamos que constituye en realidad todo lo real.' Buscando aprehender lo real, traer a la luz su carácter opaco, insondable, paradójico y constantemente 'inhabitual' (Empédocles hablaba de 'desacostumbrada morada'), me intereso de modo muy íntimo por lo fantástico. Y sin embargo, el término se ve a veces corrompido de tal modo que ha terminado por evocar poco más que cierta cuota de 'efectos especiales'; nada quisiera yo menos que hacer creer a aquellos que sólo se interesan en las últimas proezas tecnológicas que hallarán su ración diaria en este film. En tal sentido, la máquina de los Hnos. Lumière produce ya por sí sola un primer efecto muy especial, al que viene a agregarse un segundo, el montaje. Yo me limité a explorar algunas posibilidades de estos efectos, como lo 'fantástico' del simple corte de un plano a otro, o del fuera de campo, y los puse en juego en el film." 
J-Ch. Fitoussi, en Pardo News, 3.8.2002, citado en Cinéma Spoutnik
Du Horla de Maupassant aux travaux du philosophe Vladimir Jankélévitch, Jean-Charles Fitoussi parsème son long métrage de références littéraires. Ce fantastique du quotidien lui permet d’aborder des questions essentielles sur notre mode de vie. Profitons-nous assez du temps qui nous est imparti? Pourrions-nous vivre plusieurs existences à la fois? Nullement exempt de défaut (une durée excessive notamment), Les Jours où je n’existe pas est une vraie curiosité, un premier film attachant et original.
De El Horla, de Maupasssant, a los trabajos del filósofo Vladimir Jankélévitch, Jean-Charles Fitoussi siembra su largometraje de referencias literarias. Este soplo fantástico de lo cotidiano le permite abordar preguntas esenciales sobre nuestro modo de vida. ¿Aprovechamos suficientemente el tiempo que nos ha sido dado? ¿Podríamos vivir varias existencias a la vez? No exento de defectos (una duración excesiva, sobre todo), Les Jours où je n'existe pas es una verdadera curiosidad, una opera prima atrayente y original.
Yannick Vély, Film de Culte
Descubierto en un Bafici (¿2003?), y hace un par de años subido por matduhaa en KG. Subtítulos ingleses firmados C.M.C. Subtítulos castellanos de un servidor a partir de la banda original, recurriendo en algún caso a la versión inglesa. El film lleva inscripta en su lápida a modo de lema una frase de Vladimir Jankélévitch: "Quien alguna vez ha sido no puede ya dejar de haber sido: ese hecho misterioso y profundamente oscuro de haber vivido constituye de ahí en más su viático para la eternidad."

¡Feliz Año Nuevo para todos!

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28 diciembre 2011

Ingmar Bergman - Aus dem Leben der Marionetten (1980)


Sueco/Swedish I Subs: Castellano/English (srt)
99 min I AVC 720 x 528 I 1936 Kbps I 192Kbps AC3 I 25 fps
  1.47GB




Peter Egerman comete un horrible crimen: viola y estrangula a una prostituta. Mogens Jensen, psicoanalista, se encarga del expediente, ya que Egerman ya había ido a consultarle para confesarle su deseo de asesinar a su mujer... A través de una investigación policíaca narrada en forma semidocumental, la película supone un inquietante retrato del asesino, un hombre frustrado, atrapado en un matrimonio fracasado que encuentra en la violencia una válvula de escape.




From the Life of the Marionettes is an unusually raw and explicit Ingmar Bergman drama, featuring two supporting characters from Scenes from a Marriage. Peter Egermann (Robert Atzorn), outwardly stable and well adjusted, suffers from depression, feelings of sexual inadequacy, and barely suppressed rage toward his wife, Katarina (Christine Buchegger), the latter eventually leading to the brutal rape and murder of a prostitute. Events are not presented in chronological order, but the film consists mainly of a number of scenes preceding the crime that painfully illustrate the Egermanns' marital discord, and a series of subsequent police interrogations involving psychiatrist Mogens Jensen (Martin Benrath), a friend of the Egermanns'; Katarina's business partner, Tim (Walter Schmidinger); and Peter's devastated mother




Links de descarga



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(Ripeo propio en formato exclusivo para Arsenevich)
  
Más Bergman en Arsenevich

Aus dem Leben der Marionetten (1980)

16 diciembre 2011

Pen-ek Ratanaruang - Ruang rak noi nid mahasan (2003)

Last Life in the Universe
Tailandés, japonés | Subs: Castellano/English
103 min | XviD 640x352 (16:9) | 1438 kb/s | 448 kb/s mp3 | 25.0 fps
1,37 GB + 3% recuperación/recovery

http://www.imdb.com/title/tt0345549/

A suicidal, obsessive-compulsive Japanese librarian is forced to hide out with a pot-smoking Thai woman at her shabby beachside home.
Un bibliotecario japonés, suicida y obseso-compulsivo, se ve obligado a buscar refugio en la decadente casa en la playa de dos hermanas tailandesas.

Last Life unfolds as a serene experiment in dissonance: long snatches of boy-girl quiescence occasionally broken by snarling bursts of gangster mayhem.(...)
Last Life inevitably recalls Doyle's mid-'90s work for Wong Kar-wai, especially in the abundant attentions paid to Noi's pensive, attractively posed chain-smoking sessions; elsewhere, a torn curtain fluttering plaintively in the breeze could have been sewn in from Wong's Happy Together. But Doyle's always-welcome presence hardly overshadows the film's delightful idiosyncrasies—the director approaches montage as musical variation, and the camera as magic-realist lantern. Time and matter in Last Life become flexible, permeable, permutable; a single shot can serve as flashback or flash-forward, speculation or possibility; books reshelve themselves and the dead come back to life. Cheeky and elusive, Last Life in the Universe inhabits a high-lonesome world unto itself, a bright daydream that dissipates in the aching gap of a missed connection.
Last Life despliega un sereno experimento de disonancia: largas secuencias de inactividad chico-chica son hechas añicos ocasionalmente por rugientes explosiones de furia mafiosa.(...)
Last Life inevitablemente recuerda los trabajos que a mediados de los años 90 su director de fotografía, Christopher Doyle, realizara par Wong Kar-wai (...) Pero la bienvenida presencia de Doyle no eclipsa la deliciosa idiosincracia del film, con su director abordando el montaje como variación musical, y la cámara como linterna mágica realista. El tiempo y la materia se vuelven aquí flexibles, permeables, permutables; una simple toma puede servir como flash-back o como flash-forward, especulación o posibilidad; los libros se vuelven a colocar en los estantes por sí solos y los muertos vuelven a la vida. Descarada y esquiva, la última vida del universo habita un mundo de extrema soledad no parecido a ningún otro, un brillante ensueño diurno que disipa el doloroso vacío de un cruce perdido.
Jessica Winter, The Village Voice
Dentro del cine asiático, Ratanaruang forma parte de un movimiento que intenta superar la brecha entre "cine de arte" y cine popular: las remisiones intertextuales características de su obra permiten su inclusión en ese claramente heterogéneo grupo de jóvenes directores. En Monrak Transistor (2001), que le valió su inicial reconocimiento internacional, desempeña por ejemplo un papel importante el neo-western Lágrimas del Tigre Negro (Fah talai jone, 2000), de Wisit Sasanatieng, film en el que muchos quieren ver en retrospectiva el punto de partida del renacimiento del cine tailandés. Y en la historia de amor de Kenji y Noi, tiene un papel como yakuza Takashi Miike, director japonés que ha consumado del modo más radical la conjunción del cine del género con las exigencias de vanguardia.
Lukas Foerster, critic.de

 
Descubierta hace tanto que ya no sé de dónde salió, probablemente de KG. 
Subtítulos castellanos a partir del inglés, de un servidor.

Nuevos enlaces, cortesía de chicharro
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subs:
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12 diciembre 2011

Mikio Naruse - Midareru (1964)

Japonés/Japanese | Subs: Castellano/English/Portugués
98 min | XviD 720x320 | 1859 kb/s | 128 kb/s mp3 | 23.97 fps
1,36 GB + 3% recuperación/recovery.
 
 Tormento
 Una mujer, viuda de un hombre enviado a la guerra, vive su vida sirviendo a sus suegros. En la sociedad japonesa después de la Segunda Guerra Mundial este tipo de situación para las mujeres era bastante común. Hideko Takamine en Midareru, dirigida por Mikio Naruse, y Setsuko Hara en Tokyo Monogatari, dirigida por Yasujiro Ozu interpretan a mujeres en tales situaciones, aunque con ciertas diferencias.

Reiko (Takamine Hideko) es viuda del que hubiese sido el heredero de una pequeña tienda de bebidas en una pequeña ciudad. La tienda fue destruida por los bombardeos durante la guerra, pero ella fue quien la reconstruyó después de la guerra y lo hizo aún más grande que antes gracias a 18 años de trabajo duro. Ella es una mujer que se acerca a la edad mediana, todavía bonita, pero que nunca ha considerado tener otra pareja. Pero cuando su cuñado Koji - que tiene 18 años menor que ella - confiesa su amor por ella, su determinación sufre un cambia brusco...
.
 Yearning
A woman, whose husband went off to war and was killed shortly after their marriage, lives her life as a widow serving her parents-in-law. In Japanese society after World War II, such women were not few. Takamine Hideko in Midareru directed by Mr. Naruse Mikio, and Hara Setsuko in Tokyo Monogatari directed by Ozu Yasujiro play women in such situations, though in quite a different way.

Reiko (Takamine Hideko) is a widow of a would-be heir of a small beverage shop in a small city. The shop was destroyed by the air-raids during the war, but she was the one who rebuilt it after the war and made it even larger than before through 18 years of hard work. She is a woman approaching middle age, still beautiful but who has never considered having another romantic partner. But when her brother-in-law, Koji – who is 18 years younger than her - confesses his love for her, her firm mind suddenly changes...


Subtítulos en castellano de Mario Vitale (AZ)


Nuevos enlaces, gracias a chicharro

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Mikio Naruse en Arsenevich
Midareru (1964)

09 diciembre 2011

Jean Rouch & Edgar Morin - Chronique d'un été (Paris 1960)

Crónica de un verano / Chronicle of a Summer
Français | Subtítulos: English / castellano (muxed)
x-264 mkv 784x576  | 90 min | 23.97 fps | 192 kbps AC3 | 1,49 GB

 http://www.imdb.com/title/tt0054745/

« Comment vis-tu ? », « Comment est-ce que tu te débrouilles avec la vie? », « Le matin en vous levant, quand vous sortez dans la rue, que faites-vous ? », « Etes-vous heureux ? ». Les questions lancées par Jean Rouch et Edgar Morin aux Parisiens durant l’été 1960 n’ont rien perdu de leur mordant. Les aspirations humaines et artistiques dont Chronique d’un été est le manifeste frappent encore par leur actualité. Ce film est né de la rencontre entre des personnalités singulières, de part et d’autre de la caméra, avant mais aussi pendant le tournage : rencontre entre un anthropologue-filmeur du « lointain » et un sociologue du présent, rencontre entre des cinéastes et des techniciens, rencontre entre l’équipe du film et les « acteurs », rencontre entre les différents personnages, enfin rencontre imaginaire du spectateur avec ces hommes et ces femmes, dans la salle de cinéma(...)
Cinquante ans plus tard, le projet de 1960 ne fait pas l’effet d’un symptôme de révolution passée, il produit à nouveau l’étonnement, le débat, les interrogations au sortir de la salle. Film à entrées multiples, il est traversé par des thèmes intemporels et aussi vastes que le bonheur, le travail ou la guerre. Mais Chronique est aussi un condensé de possibilités cinématographiques qui n’ont cesser de se déployer depuis. Objet hétérogène, le film échappe à ses auteurs, ouvrant la voie à des formes audiovisuelles diverses, voire divergentes : du cinéma-vérité à la télé-réalité.
"¿Cómo vives?", "¿Cómo te va en la vida?", "¿Qué es lo que hace a la mañana, cuando se levanta, cuando baja a la calle?", "¿Es Ud. feliz?" Las preguntas lanzadas a los parisinos por Jean Rouch y Edgar Morin ese verano de 1960 no han perdido nada de su mordacidad. Las aspiraciones humanas y artísticas de las que este film se constituye en manifiesto impactan aún hoy por su actualidad. Crónica de un verano nació del encuentro de personalidades singulares: encuentro de un antropólogo-cineasta de lo "lejano" y un sociólogo del presente, encuentro de cineastas y  técnicos, encuentro del equipo del film con los "actores", encuentro -por fin- imaginario del espectador con estos hombres y mujeres, en la sala cinematográfica.(...)
Cincuenta años más tarde, este proyecto de 1960 no tiene el aire de mero síntoma de revolución pasada, vuelve a suscitar el asombro, el debate, los interrogantes, al salir del cine: un film de entradas múltiples, atravesado por temas tan intemporales y vastos como la felicidad, el trabajo o la guerra. Pero Crónica... es también un condensado de posibilidades cinematográficas que no han cesado de desplegarse tras él. Objeto heterogéneo, el film escapa a sus autores, abriendo el camino a formas audiovisuales diversas, incluso divergentes: del cine-verdad a la tevé-realidad.
Camille Bui, Le Blog Documentaire
 
The biggest surprise about this seminal work is that even though it’s made by two eminent social scientists, its value winds up having relatively little to do with either anthropology or sociology. Rouch as a filmmaker had already discovered in his innovative African documentaries that you best catch people “being themselves” if you film them “playing themselves,” and this film is actually a kind of home movie about life being lived and self-consciously performed by these touching individuals in interaction with one another and in front of the camera.(...)
Even more than his ethnographic works about Africans, Chronicle makes it evident in its graceful spontaneity why Rouch was a key influence on the French New Wave, so it isn’t surprising to discover in the closing credits that Raoul Coutard — the key cinematographer of that movement, who shot most of the first features of Godard, Truffaut, and Demy — worked on this film as well.
La mayor sorpresa de esta obra seminal es que, aunque realizada por dos eminentes cinetíficos sociales, su valor termina debiéndole poco a la antropología o a la sociología. En sus innovadores documentales africanos, ya el Rouch cineasta había descubierto que la mejor forma de capturar a la gente siendo "ella misma" era filmarla "haciendo de sí misma", y este film es por cierto una especie de película hogareña sobre la vida tal como la viven y la desempeñan de modo autoconsciente estos conmovedores individuos en interacción recíproca y frente a la cámara.(...)
Aún más que la obra etnográfica sobre los africanos, la graciosa espontaneidad de Crónica de un verano torna evidente por qué fue Rouch un influjo clave para la Nouvelle Vague; en tal sentido, no es sorprendente descubrir en los créditos a Raoul Coutard, el mismo que fotografiara la mayor parte de los films iniciales de Godard, Truffaut y Demy.


Nuevo DVD rip, cortesía de LittleAfterAll (KG) 

Las capturas corresponden al rip anterior

 

Hay un documental de Florence Dauman, Un été + 50, sobre el rodaje de Chronique, realizado recientemente en ocasión del 50º aniversario. Lamentablemente no lo pude encontrar, hubiera sido un lindo combo, aunque fuera sin subtítulos. No es mi rip.


Chronique dun été (1961).part1.rar
http://www16.zippyshare.com/v/kR6kXzvN/file.html
Chronique dun été (1961).part2.rar
http://www16.zippyshare.com/v/jyZrdOyK/file.html
Chronique dun été (1961).part3.rar
http://www16.zippyshare.com/v/CZPbNgsd/file.html
Chronique dun été (1961).part4.rar
http://www16.zippyshare.com/v/WVkNqCCd/file.html
Chronique dun été (1961).part5.rar
http://www16.zippyshare.com/v/wpwyjtEd/file.html
Chronique dun été (1961).part6.rar
http://www16.zippyshare.com/v/58ztCm78/file.html
Chronique dun été (1961).part7.rar
http://www16.zippyshare.com/v/TRvZqAts/file.html
Chronique dun été (1961).part8.rar
http://www16.zippyshare.com/v/PA8w2Vks/file.html

°°°°°°
Jean Rouch en Arsenevich

Moi un noir (1958)
Chronique d'un été (1960, con Edgar Morin)
Jaguar (1967)

06 diciembre 2011

Jean Renoir - The Southerner (1945)

Inglès/English I Subs:Castellano
92 min I Xvid 640x464 I 925 kb/s I 128 kb/s cbr mp2 I 25 fps
699 MB
Sam Tucker, un esforzado jornalero del algodón, busca un futuro esperanzador para su familia. Para conseguirlo, se hace con su propia plantación y se enfrenta al clima implacable, a la inoportuna enfermedad y a unos hostiles vecinos. 
Tercer largometraje de los cinco que Jean Renoir realiza en EEUU. El guión, del propio Renoir, desarrolla la adaptación escrita por Hugo Butler de la novela “Hold Autumn in Your Hand” (1941), de George Sessions Perry. El guión contiene algunas intervenciones de dos reconocidos escritores del sur de EEUU, William Faulkner y Nunnally Johnson, no acreditados. Se rueda con un bajo presupuesto en escenarios naturales y en pleno campo, salvo breves tomas filmadas en los platós de General Service Studios (Hollywood). Es nominado a 3 Oscar (director, música y sonido). Producido por David Loew y Robert Hakim para United Artists, se estrena el 30-IV-1945 (EEUU).
La acción dramática tiene lugar en la localidad algodonera de San Pedro (Texas), próxima al río San Joaquín, a lo largo de un año (1938 o 1939) de la Gran Depresión. El jornalero Sam Tucker (Scott), su esposa Nana (Field) y sus hijos Daisy y Jotty (Gilpin), conviven con la abuela paterna de Sam (Bondi) y el hermano del padre, el tío Pete (Burns). Tras el fallecimiento de éste, deciden alquilar una finca de 27 Ha. para trabajar por cuenta propia y cultivar sus propias cosechas. Sam es inteligente, consciente, resuelto y bondadoso. Nana es sufrida, laboriosa y cariñosa. La abuela es gruñona.
El film desarrolla un drama rural y familiar, que suma realismo y humor, de acuerdo con las constantes de Renoir. El realismo sirve para construir un emotivo retrato de la pobreza y precariedad de recursos de los arrendatarios, aparceros y pequeños propietarios de tierras de cultivo en los años de la Gran Depresión. Se ven sometidos a las inclemencias del tiempo, la escasez de alimentos y abrigo, pérdidas de cosechas a causa de tempestades e inundaciones, la insolidaridad de los vecinos, precios bajos de venta a los mayoristas y elevados costes de las materias primas y bienes intermedios (productos fitosanitarios, extinción de plagas...), jornadas prolongadas de trabajo desde el alba hasta el anochecer, tareas que requieren esfuerzo físico, enfermedades específicas, como la pelagra, enfermedad de primavera o escorbuto, que afecta a Jotty, y otras calamidades. Compone un retrato veraz y entrañable, de trazos cálidos, cargados de sentido humanista y de interés por el ser humano.
El humor, abundante y festivo, se apoya en lances de la acción y, sobre todo, en personajes caricaturescos, como los de Beulah Bondi (la abuela) y Norman Lloyd, o ariscos y malhumorados, como los del vecino Devers (Naish) y su sobrino Finlay (Lloyd). Explica cómo se reflejan en las tareas agrícolas las estaciones del año, con una etapa invernal sin rendimientos, que se ha de dedicar a la pesca y a la caza, en espera de los primeros frutos de la primavera. Las penurias del invierno se ejemplifican con la pesca del barbo (pez comestible de río poco estimado) y la caza de la zarigüeya (pequeño marsupial propio del Continente americano).

Las interpretaciones de Zachary Scott, especializado en papeles de gángster, y Betty Field son convincentes. Scott entrega el que posiblemente es el mejor trabajo de su carrera. Beulah Bondi (abuela, viuda del abuelo Fayed Tucker) y Norman Lloyd (Finlay) interpretan papeles cómicos. Son elogiables las intervenciones de J. Carroll Naish (el vecino egoísta y frustrado) y Blanche Yurka (madre de Sam). Se sirve del paisaje para reforzar aspectos conceptuales y emocionales del film, que convierte en un testimonio simpático y sugerente de los antiguos granjeros, su amor a la libertad, constancia y espíritu de sacrificio. Compone una imagen emotiva y enternecedora del viejo mundo de la agricultura intensiva, de sus gentes conservadoras, aferradas a la tierra, las tradiciones y a la familia, sinceramente religiosas y preocupadas por la educación de los hijos. Construye la cinta como una sucesión de escenas sencillas, cálidas, deliciosas y llenas de gracia, no exentas de toques líricos. Los personajes se presentan bien caracterizados. Se prescinde de sensiblerías y sentimentalismos anacrónicos.
Los principales temas que se tratan son el elogio del coraje y la constancia; el amor a la tierra, la familia y los amigos; la oposición entre el campo y la ciudad; la lucha por la supervivencia; el valor del esfuerzo y el trabajo; la importancia y necesidad de los lazos interpersonales, etc. Rinde homenaje al cine a través de los carteles que cuelgan de las fachadas del pueblo: “Vogues of 1938” (Cummings 1937) e “Intermezzo: A Love Story” (Ratoff 1938), protagonizada por Ingrid Bergman. La referencia a los dos films sirve para aproximar la fecha de los hechos.
Son escenas destacadas la noche de tormenta, el panorama de la finca tras la lluvia torrencial, el interés de Sam por la escuela de los hijos, la botella de whisky ardiente a causa de un descuido, el intento de Sam y su primo Tim (Kemper) de rescatar a la vaca, la recolección de algodón en los campos del patrón Raston (Harvey), la comida en familia de la zarigüeya, el viaje de ida a la finca en un camión cargado hasta los topes, el cigarrillo que Sam lía para Nana, la pelea a puñetazos de Sam y Devers, etc.
La banda sonora, de Werner Janssen (“El capitán Kidd”, Lee, 1945), ofrece una partitura variada, con evocaciones de la caza (trompeta de caza), el amor de pareja, la desolación tras la tormenta, la fiesta de bodas, etc. Añade una canción coral tradicional de los recolectores de algodón, “La cucaracha” (pelea en la cervecería) y otras. La fotografía, de Lucien N. Andriot (“Eran cinco hermanos”, Bacon, 1944), crea imágenes contrastadas, de potente claroscuro, inspiración realista y de excelente concepción. Varias tomas estáticas son auténticas composiciones fotográficas (la familia ante el fuego del hogar). (Miquel de Filmaffinity)

The Southerner was Jean Renoir's favorite of his American films. Shot on location, the film stars Zachary Scott as a sharecropper who yearns for a place of his own. On a tiny, scraggly patch of land, Scott tries to make a go of things, along with his wife Betty Field, his grandmother Beulah Bondi, and his children Jean Vanderwilt (aka Bunny Sunshine) and Jay Gilpin. Though a proud, independent man, Scott is forced by circumstance to seek help from neighboring farmer J. Carroll Naish, whose life ..
"En realidad uno cuenta la misma historia durante toda su vida. Tenemos una sola historia en el pensamiento y, poco a poco, vamos descubriendo distintos aspectos de esta. Por lo menos, es lo que me ocurre a mí. Se que siempre retomo los mismos temas. Pero cada vez intento ahondar en ellos un poco más, intento descubrir nuevos aspectos y expresar cosas que no haya expresado previamente." Jean Renoir


-o-
Jean Renoir en Arsenevich

05 diciembre 2011

Andrei Tarkovsky - Zerkalo (1975)

Ruso | Subs: Castellano/English/Français/Portugués + 20* idiomas
107 min| AVC X264 1024x720 7200 kb/s | 1510 kb/s DTS 6 canales | 23.97 fps
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El Espejo
En Zerkalo, el legendario realizador ruso Andrei Tarkovsky crea quizás su más profundo y atractivo film. Lo que comenzó siendo para Tarkovsky una serie de entrevistas con su propia madre evolucionó en una compleja y circular meditación sobre el amor, la lealtad, la memoria y la historia. El tiempo se alterna y las generaciones se funden a medida que una extraordinaria actriz (Margarita Terekhova) interpreta a la ex-esposa del narrador y a su madre a la vez. Los recuerdos de Tarkovsky así como los de su madre se mezclan en imágenes oscuras, suntuosas y oníricas de una Rusia pre-Segunda Guerra, acompañados de la voz del padre de Tarkovsky leyendo su propia poesía elegíaca. El espectáculo de la naturaleza y su presencia ubicua y eternamente mutante es capturado por la cámara de Tarkovsky como por acto de magia - la cabaña familiar situada en medio de los bosques, un granero en llamas en medio de una suave lluvia, un viento descomunal envolviendo a un hombre a medida que camina por un sembrado de maíz - todo ello creando imágenes indelebles con profundas y misteriosas resonancias. A medida que la línea del tiempo cambia entre la generación del narrador y la de su madre vemos material filmado de las guerras rusas, triunfos y desastres yuxtapuestos con imágenes imaginadas del pasado, presente y futuro, modelando un silencioso y lúcido panopticón de la memoria, la historia y la naturaleza.

Mirror
With Zerkalo, legendary Russian filmmaker Andrei Tarkovsky crafts perhaps his most profound and compelling film. What started off for Tarkovsky as a planned series of interviews with his own mother evolved into a lyrical and complex circular meditation on love, loyalty, memory, and history. Time shifts and generations merge as a single extraordinary actress (Margarita Terekhova) plays the narrator’s former wife as well as his mother. Tarkovsky's memories as well as those of his mother are intermingled as a dark, sumptuous, and dreamlike pre-World War II Russia is evoked, accompanied throughout by the voice of Tarkovsky’s father reading his own elegiac poetry. The spectacle of nature and its ubiquitous and ever-shifting presence is captured by Tarkovsky’s camera as if by magic--the family cabin nestled deep in the verdant woods, a barn on fire in the middle of a gentle rainstorm, a gigantic wind enveloping a man as he walks through a wheat field--all creating indelible images with deep if mysterious emotional resonance. As the timeline shifts between the narrator’s generation and his mother's, newsreel footage of Russian wars, triumphs, and disasters are juxtaposed with imagined scenes from the past, present, and future, crafting a silently lucid cinematic panopticon of memory, history, and nature. Rotten Tomatoes


 Blu-Ray rip de la edición Ruscico, gracias a EceAyhan (KG)
La nueva transferencia no es óptima, pero es lo que hay en HD.



* se incluyen subtítulos en japonés, chino, hebreo, búlgaro, croata, checo,  alemán, suomi, húngaro, neerlandés, polaco, eslovaco, serbio, gallego, griego, italiano, rumano, ruso, sueco, turco, persa y árabe.




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